El segundo conjunto de sugerencias musicales lo inicio con un grupo en el que se han reunido cuatro componentes, cada uno de los cuales cuenta en mayor o menor medida con una carrera individual. Han publicado su primer disco en junio y presenta una amalgama de sonidos que fluctúan entre el jazz y el rock vanguardista y experimental. Se trata de Beings y su disco titulado There is a garden.
1. Small Vows 2. Flowers That Talk 3. God Dances In Your Eyes 4. In The Garden 5. Face Of Silence 6. Sun Greeted 7. Happy To Be 8. Morning Sea 9. Do Come Again
Zoh Amba – saxophone, vocals, acoustic guitar, harmonium, piano; Steve Gunn – electric guitar; Shahzad Ismaily – bass, synth; Jim White – drums. Composición musical de Beings y letras de Zoh Amba.
Los cuatro miembros de Beings (Seres) suelen operar de modo individual en el área de Nueva York y se distinguen por su exploración de nuevas rutas en la vanguardia musical. Era de esperar que sus trayectorias se entrelazaran. Algunos de ellos están comenzando a ganar reconocimiento, mientras que otros ya han alcanzado un nivel consolidado. Zoh Amba, la más joven del grupo con solo 24 años, lanzó dos álbumes en 2022 bajo su propio nombre y ha colaborado con varios artistas. Su instrumento principal es el saxofón, aunque también toca la flauta, la guitarra, el piano y el armonio, sin olvidar su capacidad vocal. Steve Gunn, a sus 47 años, es un músico reconocido con una sólida carrera como cantante y guitarrista, especialmente en los géneros folk y rock. Su incursión en el jazz y la música experimental representa un cambio notable, trazando nuevas direcciones en su trayectoria musical. Shahzad Ismaily, un músico experimentado de 52 años, nació en Estados Unidos y es hijo de padres inmigrantes paquistaníes. Es un experto en el bajo y el contrabajo, además de ser un multiinstrumentista capaz de tocar la guitarra, el banjo, el acordeón, la flauta, la batería, instrumentos de percusión, sintetizadores analógicos y cajas de ritmos. Ha colaborado con artistas de renombre como Laurie Anderson, Lou Reed y Tom Waits. El miembro más veterano del grupo es el baterista australiano Jim White, de 62 años, quien posee una amplia trayectoria tanto en solitario como en colaboraciones, destacando su trabajo con Nick Cave, Marianne Faithfull, PJ Harvey y la cantautora Nina Nastasia. Es relevante mencionar su participación en la banda Dirty Three, junto a Warren Ellis y Mick Turner.
La música de “There Is A Garden” presenta una complejidad conceptual que la sitúa en las fronteras entre el jazz y el rock. En este escenario, los matices que Zoh Amba emite a través de su saxofón en la primera composición, Small Vows, respaldada por el resto de la banda, se enmarcan dentro del free jazz. Esto no es sorprendente, ya que a Amba se la compara con el saxofonista Albert Ayler, muy influyente en este género. En cambio, la composición Flowers That Talk no incorpora elementos del jazz, sino que se sumerge en el género del post rock, donde Amba despliega su voz suave y etérea. Su forma de cantar evoca ligeramente a Georgia Hubley, integrante del renombrado grupo Yo la tengo, incluso las coordenadas de la canción pueden remitir al grupo icónico. Esta misma sensación se repite en la penúltima pista del álbum, Morning Sea. En cambio, God Dances In Your Eyes se presenta como un rock experimental, en el que destaca el sonido predominante del armonio de Amba, junto a las líneas de guitarra de Gunn, la batería de White y el bajo de Ismaily, manifestándose los sonidos de manera repetitiva e intensa. Sin embargo, la pieza se suaviza desde la mitad hasta su conclusión. En la breve In The Garden, el grupo retoma el free jazz. Face Of Silence ofrece una especie de caos improvisado en el que los cuatro integrantes del conjunto crean una densa maraña de sonidos “ruidosos”. En esta ocasión, Amba sustituye su saxo por el piano. Sun Greeted es otra pista que se aproxima al free jazz. Se inicia con los tambores de White y los rasgueos de guitarra de Gunn, dando paso a Amba, quien retoma su saxo, mientras Ismaily se aplica al sintetizador. Happy To Be aporta un ambiente relajado, funcionando como una balada catártica en la que la batería y el saxo predominan al inicio, seguidos a continuación por la guitarra, el bajo y el sintetizador. Posteriormente, los instrumentos van apareciendo y desapareciendo, culminando con los tambores de White. El álbum concluye con la atmosférica Do Come Again, una fusión entre el post rock y el jazz espiritual. Esta hermosa pieza es guiada por el saxo de Amba y acentuada por la guitarra de Gunn, con respaldo del bajo de Ismaily y los tambores de White. Esta pieza constituye un colofón excepcional para un sorprendente álbum debut exploratorio. La singularidad de este trabajo radica en su capacidad para sorprender y cautivar al oyente. La repetición de la escucha se convierte en una herramienta esencial para apreciar plenamente la complejidad y la innovación que Beings ha logrado en su primer álbum.
Sarah Hanahan saxofón alto; Marc Cary piano; Nat Reeves contrabajo; Jeff “Tain” Watts batería; Bobby Allende percusión (pistas 1, 4, 5 y 8).
1. Welcome 2. Resonance 3. A House Is Not a Home 4. Nato 5. Honey 6. Stardust 7. On the Trail 8. We Bop!
Sarah Hanahan es una joven saxofonista de 27 años que tiene su base en el área de Nueva York. Se graduó en el Instituto de Jazz Jackie McLean de la Escuela de Música Hartt, donde recibió su licenciatura en 2019, así como en The Juilliard School, donde recibió su maestría en 2022. Ha estudiado con grandes músicos como Nat Reeves, Abraham Burton, Steve Davis, Billy Drummond y Marc Cary. A pesar de su juventud, Sarah ha estado trabajando con músicos selectos como Jeff “Tain” Watts, Nat Reeves, Peter Martin, Steve Davis, Billy Hart, Dee Dee Bridgewater, Jason Moran, Marc Cary y muchos más. Suele actuar en pequeños clubs de jazz de la ciudad de Nueva York como Smalls Jazz Club, Dizzy’s Club, Smoke Jazz Club, Birdland Jazz Club, The Django… Sarah ha presentado recientemente su primer álbum titulado Among Giants, y, a mi juicio, es el mejor disco de jazz que he tenido el placer de escuchar en lo que va de año. El primer acierto de Sarah, es saber rodearse de quienes han sido sus mentores y colaboradores en su aprendizaje. En el piano, encontramos a Marc Cary, un reconocido pianista que ha colaborado con Betty Carter y Abbey Lincoln, aporta su talento y experiencia al proyecto. Además, Nat Reeves se encarga del contrabajo, palabras mayores, un músico que ha tocado junto a Jackie McLean, Kenny Garrett o Harold Mabern, entre otros. Caso similar a Reeves es el de Jeff “Tain” Watts, un batería que ha trabajado con los más grandes como Kenny Garrett, los hermanos Marsalis, Stanley Jordan, Danilo Pérez o Sadao Watanabe, por citar algunos. La participación de Bobby Allende en las percusiones añade un toque especial a la producción. Sarah reconoce que Natt Reeves ha sido un mentor esencial en su carrera. En las ocasiones en que asistía a sus actuaciones en los clubes, Natt la invitaba a unirse a él en el escenario, lo que resultó ser fundamental para su crecimiento artístico. Asimismo, Sarah tenía conocimiento de Watts, quien había trabajado en varias grabaciones junto a Natt Reeves, lo que propició una conexión perfecta entre ambos músicos. Grabaron junto a Kenny Garrett (otro de sus saxofonistas preferidos), el álbum Songbook (1997), uno de sus discos de cabecera. Su relación con el pianista Marc Cary se originó al escucharlo en el Club Smoke de Harlem, donde la primera vez que lo oyó, interpretaba una obra de uno de sus saxofonistas preferidos, Jackie McLean, lo que dio inicio a una amistad entre ellos. Otro acierto es la colaboración con el productor Abraham Burton, quien ya fuera profesor de Sarah en Hartt. Conocerse de antes facilitó la tarea. Conseguir que el disco suene como si se estuviera tocando en vivo es un gran acierto. Sin embargo, por más que se cuente con la compañía de talentosos profesionales y músicos, el resultado no alcanzaría su máximo potencial si la anfitriona no poseyera el nivel excepcional que tiene Sarah. Su habilidad para interpretar el saxofón es realmente impresionante.
Por supuesto, además de los saxofonistas citados, Charlie Parker y John Coltrane, ocupan un lugar preeminente. Precisamente con una composición de Coltrane, Welcome, inicia el disco. Toda una declaración de intenciones, como refiere a Jazzwise: “Me gusta abrir todos mis shows con ella. Damos la bienvenida a la gente y a los espíritus”. Un inicio en el que Sarah presenta sus credenciales con firmeza y seguridad en su manera de tocar su saxo alto. Una vez introducido el disco, Hanahan se pone el traje de faena y con la total complicidad de sus compañeros, acomete de manera intensa, Resonance, composición de la propia Hanahan y otro tributo a Coltrane: “Me encanta la energía que esos muchachos aportaron a esa canción. Tocamos muy fuerte”. (A Jazzwise). Se dulcifica en la pista A House Is Not a Home, pero sin perder intensidad. Es una composición de Burt Bacharach y Hal David y un homenaje a McLean y la versión que realizo en su disco Dynasty (1988). Una deliciosa pieza de siete minutos en la que Sarah nos ha cautivado por completo. Nato es una composición de Sarah dedicada a su contrabajista y maestro Nat Reeves y hace referencia a su apodo. Nat inicia la canción al contrabajo, uniéndose el resto de músicos de inmediato. Otra pieza larga en la que bajo el liderazgo de Hanahan, los acompañantes se explayan en su parte central, culminando todos juntos en un final cohesionado. Honey es una composición de Hanahan dedicada a su pareja. Una pieza que comienza delicada y se va animando. Sarah introduce ritmos afrocubanos y Bobby Allende se encuentra en su salsa en las percusiones. También es muy apreciable el solo de piano de Marc Cary. Esta pista demuestra la versatilidad de Sarah en el cambio de estilos y registros. Stardust es una composición de Hoagy Carmichael, es interpretada por Sarah de manera íntima, casi susurrante, a través de su saxofón, ofreciendo una versión muy emotiva. On the Trail es una composición de Ferde Grofé que Sarah acomete en clave Hard bop. En ella, los músicos van alternando solos. Cierra el disco la composición de Sarah, We Bop!, un digno colofón en el que intervienen todos los músicos, incluido Bobby Allende. Sarah la concibió: “para seguir con la fiesta, una gran canción para hacer que la gente se sienta bien”. (A Jazzwise). Como podemos comprobar, el disco se caracteriza por una equilibrada mezcla de obras clásicas y composiciones propias de Hanahan, lo que resalta tanto su talento interpretativo como su faceta como compositora. Sarah ha creado una obra que se erige como un clásico, presentando una actitud contemporánea que se alinea perfectamente con las magistrales composiciones que John Coltrane registró para Impulse.
Mari Boine, voz y letras; Ella Marie Hætta Isaksen, voz en “Lean dás”. Banda de apoyo. Arreglado por Svein Schultz, Mari Boine y la banda.
1. Die dien luohkkái 2. Dánsso fal mu váhkaran 3. Olamuttos letne ain 4. Oidnojuvvon 5. Mu eadni 6. Várjalivččet min vuolláneames 7. Mieđušteapmi 8. Anárjoh’gáttis 9. Oainnestan 10. Vuoi beaivi don eallima addi 11. Áhkánsuolu 12. Rohkos 13. Lean dás.
Mari Boine Persen, nacida el 8 de noviembre de 1956, es una reconocida cantante noruega de origen saami. Su niñez se desarrolló en Gámehisnjárga, un pequeño pueblo situado a la orilla del río Anarjohka, en la municipalidad de Karasjok, en la región de Finnmark, al norte de Noruega. Proveniente de una familia dedicada a la pesca del salmón y la agricultura, Mari creció en un entorno natural y enfrentó la discriminación del movimiento cristiano hacia su cultura lapona, donde el canto tradicional yoik era considerado como algo maligno. En respuesta a esta situación, Mari reivindicó sus raíces a través de su música, fusionando rock, jazz y la música yoik. Su álbum Gula Gula, lanzado en 1989, fue un punto de inflexión en su carrera, y en 2003 recibió el Premio de Música del Consejo Nórdico. En 2009, fue distinguida como “caballero” de la Real Orden de San Olav por su aporte a la diversidad artística. En varias entrevistas, ha manifestado su deseo de compartir sus experiencias a través de la música, lo que le permite sentir que contribuye a la narrativa de su comunidad, fortaleciendo así su conexión con su entorno y las vivencias colectivas de su pueblo.
En su reciente disco, Mari Boine continúa poniendo su mirada en su lugar de origen, su familia y sus antepasados, además de tener muy presente la difusión de su cultura y la defensa y protección de la Madre Tierra. Se puede decir que una experiencia etérea nos invade al escuchar la canción inicial de Alva, Die dien luohkkái (Subiendo esa colina), cuyas primeras estrofas son las siguientes: “Subiendo esa colina arrastré todas mis cargas / A ese lugar donde / tocaste suavemente mi rostro / Aquel día, cuando ya sabías / Que engancharías a tu caballo para el último paseo / En mi corazón guardé el recuerdo / De esa instancia solitaria / Cuando te dejaste ser suave / Cuando dijiste, yo también tropiezo / Incluso yo, no lo sé todo”. En cambio, en su siguiente canción, Dánsso fal mu Váhkaran (Sigue bailando Váhkaran), se aviva el ritmo con unas percusiones omnipresentes. En la canción están presentes miembros de su familia, como sus abuelos o su hijo pequeño, Váhkaran: “Sigue bailando, Váhkaran / Baila para alejar la tristeza / Sabemos cómo hablan / Pero hoy, no nos importará”. Estos dos tipos de canciones son los que vamos a escuchar a lo largo del álbum, es decir unas canciones más atmosféricas y envolventes, combinadas con otras más festivas. Olamuttos letne ain (Todavía al alcance de la mano), se torna una canción de amores difíciles: “Cada uno al alcance del otro / Hombros azulados bajo un elegante gákti / Evitando, evadiendo Intenté y intenté, hice lo mejor / que pude. No estaba dispuesta a aceptar / Que lo mejor sería irse”. Oidnojuvvon (Destino) se presenta melancólica pero esperanzadora, avivada con unos ritmos constantes: “En las horas / más melancólicas Nunca te dejaron sola / Esas largas noches en las que te / sentiste abandonada / Estuvieron ahí a tu lado / Aun así, ese ancho, ancho océano / Tuviste que cruzarlo por tu cuenta / Todo estaba decidido / Hace mucho, mucho tiempo”. Mu Eadni (Madre mía) es una tristísima canción dedicada a su madre, sobre ella comenta Boine: “Madre mía es un canto de amor y lamento por la mujer que me dio la vida, y por todas las mujeres que sufren bajo sistemas que las avergüenzan y subordinan. Como cristiana laestadiana, mi eadni estaba limitada por estrictos roles de género y esa insidiosa asociación de lo femenino con el pecado. Le enseñaron a ser abnegada: que su mayor propósito como mujer era la obediencia”. Várjalivččet min vuolláneames (Evita que nos rindamos) es una especie de plegaria esperanzadora con el fin de mantener a su pueblo unido: “Poder silencioso Danos coraje / para percibirnos como un pueblo, unido / entre la comunidad del mundo”. En el mismo sentido se muestra la canción Mieđušteapmi (A mitad de camino a casa) “Todavía mostrándonos el camino / Tus sabias palabras siguen vivas / Ilumina el camino / Siempre cerca de nosotros / Ilumina el camino / Ilumina el camino / Siempre cerca de nosotros”. Una loa a la naturaleza es Anárjoh’gáttis (Junto a mi hermoso río): “Junto a mi hermoso río Anárjohka / se sienta el hijo / de nuestra abuela a la orilla de Anárjohka / se sienta nuestro amado”. Oainnestan (Destellos) está dedicado a su hijo: ¡Cómo me encantaría darte, hijo / una ciudad llena de luz! / Todavía te veo brillar en destellos / En tus visitas / Cada vez que vienes”. Vuoi beaivi don eallima addi (Oh Behaivi dador de vida) invoca al sol lamentando la deriva del mundo, la degradación de la naturaleza, las guerras: “Oh Beaivi, oh Sol, / Dador de vida. / El estruendo que no es trueno. / El destello que no es relámpago. / Un grito se incendia: el poder hace lo correcto. / Y la razón racional aprieta un botón. / Tan iluminados son los sabios. / Que un dedo meñique puede hacer estallar el mundo”. Áhkánsuolu (Isla de los Ayudantes) es un canto a su isla natal, presente en sus pensamientos y dedicada a todas las mujeres que le han ayudado y a todas las mujeres antepasadas: “Áhkánsuolu / Isla de los ayudantes / Mirándote / mientras tomo mi café / de la mañana / A mi querida madre / A mi áhkku / A mi ur-áhkku / A mi nieta / Toda mi gratitud te doy / Te llevo conmigo a donde quiera que vaya”. Rohkos (Oración), tal como su nombre nos indica, es una oración a la madre tierra: “Oh Eadni, Madre Tierra / Por favor, sostén los frutos del nacimiento / Llévalos a los pastos de verano / Oh Eadni, Madre Tierra / Que alimentes a los niños que nacieron / Dale a cada uno una montaña / y un hogar”. Cierra el disco Lean dás (Siempre estoy aquí), un canto a la Madre Universal, la Fuente Divina, la Dadora de Vida y la Fuerza Creativa. Es un canto esperanzador en el que Mari canta junto a Ella Marie Hætta Isaksen. Mari Boine introduce el tema con estas palabras: “Puede ser difícil mantener la esperanza en estos tiempos oscuros, pero renunciar a la esperanza es perder la voluntad de actuar, de hacernos impotentes”.
Mari Boine combina junto a su banda los instrumentos modernos con los más tradicionales, integrándolos a su cautivadora voz, que se hace presente en cada una de sus composiciones. Nuestra cantautora presenta su música de manera atrayente para el escuchante, con unas letras comprometidas y muy cuidadas. Las melodías nos transportan a un estado de introspección, donde cada nota resuena con una profundidad única. La conexión emocional que se establece desde el primer acorde es innegable. A medida que avanzan las letras, se crea una atmósfera que invita a la reflexión y al disfrute de la belleza musical. Alva se presenta como un viaje sonoro que cautiva desde el primer momento.
Justin Adams voz y guitarras; Mauro Durante voz y percusión; Alessia Tondo voz en Leuca Yousra Mansour voz en Wa Habibi Felice Rosser voz en Tide Keeps Turning.
1. Sweet Release 2. Leuca (ft. Alessia Tondo) 3. Ghost Train 4. Wa Habibi (ft. Yousra Mansour) 5. Silver And Stone 6. Aurora 7. Ithaca Return 8. Qui Non Vorrei Morire 9. Tide Keeps Turning (ft. Felice Rosser) 10. Santu Paulu
Justin Adams es un veterano guitarrista, cantante, compositor y productor inglés. Comenzó a tocar en los ochenta en varias bandas post punk. Posteriormente, grabó y realizó giras con Sinead O’Connor. A finales de los noventa comenzó a producir a la banda francesa Lo’Jo. En un viaje con ellos por el norte de Mali, conocieron a Tinawiren, banda que después produjo. Él mismo lanzó en el 2000 un álbum muy reputado, Desert Road. Gracias al disco, Robert Plant lo reclamó para su banda como guitarrista. Colaboró con el poeta y músico gambiano Juldeh Camara, y juntos lanzaron varias grabaciones. Produjo más tarde un disco del grupo de Salento por excelencia, Canzoniere Grecanico Salentino, grupo especializado en pizzica taranta. Es ahí cuando conoció a Mauro Durante y comenzaron a trabajar juntos.
En cuanto a Mauro Durante, cabe decir que sus padres Daniele Durante y Rossella Pinto fueron socios fundadores del grupo de Salento, antes mencionado. Integraron con 14 años a su hijo en el grupo folclórico, siendo su líder a partir de 2007. Es violinista, percusionista y cantante. Su padre le enseñó los rudimentos del tambor de marco. Cursó violín en el Conservatorio de Lecce. Ha colaborado con Richard Galliano y con Ludovico Einaudi, entre otros, además de ser miembro del grupo de música antigua Accordone.
Justin Adams y Mauro Durante unieron sus talentos para crear un nuevo proyecto musical, cuyo primer resultado fue el aclamado álbum de 2021, Still Moving. En 2024, presentan su continuación, Sweet Release, que se destaca por su riqueza sonora. La pista que abre el álbum, titulada como el propio disco, Sweet Release, se caracteriza por un vibrante ritmo de blues africano, donde la guitarra de Justin se impone, mientras que Mauro complementa con percusiones que enriquecen la atmósfera, además de aportar su voz en el interludio, transmitiendo un mensaje de paz. A continuación, el álbum presenta Leuca, una colaboración con la cantante Alessia Tondo del grupo Canzionere…, que comienza con la suave guitarra de Adams y se desarrolla con las voces de Mauro, quien añade ritmos de taranta, acompañados por las bellas armonías vocales de Alessia. Ghost Train retoma la energía incisiva de la canción inicial, mientras que Wa habibi destaca por la participación de la cantante marroquí Yousra Mansour, donde a su emotiva voz, se une la sentida guitarra de Adams junto al delicado violín de Mauro. Silver and stone ofrece un medio tiempo de blues, y Aurora se presenta como una tonada atmosférica que incorpora la guitarra de Justin y el violín insistente de Mauro, quien también aporta su voz más adelante, inspirándose en una llamada a la oración. La canción Tide Keeps Turning incluye la colaboración de Felice Rosser, y el álbum culmina con Santu Paulu, una pieza emotiva donde Mauro dirige su plegaria al santo Pablo, protector de las picadas de las tarántulas, con una guitarra insistente y ritmos percusivos. La fusión de géneros que logran estos dos músicos es notable; Justin, con su experiencia colaborando con artistas africanos, presenta un sonido que evoca el blues del Magreb, mientras que la pizzica taranta italiana de Mauro, junto a su percusión, crea hipnóticas melodías. Las colaboraciones enriquecen aún más la propuesta del disco.
Nate Mercereau – guitar, production, mixing, arrangements and editing; Carlos Niño – toms, shells and cymbals on Infinite Palaces of Possibility / Horse; André 3000 – flute and vocoder on Infinite Palaces of Possibility / Horse
Sampled Guests in order of appearance: Luis Pérez Ixoneztli – Carlos Niño – André 3000 – Surya Botofasina – Laraaji – Idris Ackamoor – Shabaka Hutchings – Kamasi Washington – Cavana Lee – V.C.R. – Anaiah Rasheed Muhammad – Aaron Shaw – Andrés Rentería – Dwight Trible
El guitarrista afincado en California, Nate Mercereau, ha lanzado un disco donde se produce una fusión de géneros musicales como el rock experimental, rock psicodélico, el jazz experimental, el ambient e incluso la New Age.
Mercereau se expresa de manera abierta al dar a conocer su nuevo trabajo: “Considero la música de este álbum de diferentes maneras: como entornos, un bosque o una ciudad, o algún tipo de combinación nueva aún no creada de esas cosas. El álbum como un lugar para visitar, mirar, explorar y viajar … También es una especie de diario, o un álbum de fotos sonoras en movimiento, que representa viajar de manera excelente, física, emocional y dimensionalmente”.
Nos sigue informando y se explaya indicándonos la manera en la que ha confeccionado el disco, es decir, los sonidos de guitarra grabados en estudio o en vivo, más muestras de la banda o sonidos de entornos naturales o ciudades, pero mejor nos lo explica él: “Todas estas grabaciones están hechas a partir de mi colección viva de muestras interpretadas y tocadas con mi guitarra. Utilizo la guitarra como sampler y controlador de sintetizador, lo que me permite hacer de cualquier cosa mi “instrumento”. Tengo un micrófono en mi configuración, y cuando estoy tocando con un grupo, o en un entorno, apunto el micrófono a la banda o a la fuente de sonido, y si sucede algo que quiero tocar, lo grabo y lo coloco en el sampler. La muestra se mapea a través del diapasón, y puedo tocarla a cualquier tono y velocidad, haciendo efectivamente cualquier cosa que haga sonido, mi instrumento. Todas las realidades posibles están disponibles. También exploro más a fondo con sintetizadores de guitarra, otras muestras de mí mismo tocando varios instrumentos acústicos y muestras de entornos como bosques y ciudades. Pienso en ello como un enfoque de Worlds Within Worlds o Worlds Upon Worlds, uno en el que todo es posible: producción y mezcla en directo, una forma de DJing Reality, paisajes sonoros inmersivos en capas, Música del Tiempo, Jugando con el Tiempo … Esta es también mi versión de un álbum de guitarra solista, donde casi todo es creado por una guitarra, excepto una sección de trío en vivo con Carlos y André en medio de “Infinite Palaces of Possibility / Horse. Algunas piezas son interpretaciones solistas de una sola toma (pistas 2, 4, 7, 10, 16), otras son múltiples interpretaciones solistas editadas juntas, con varios niveles de orquestación/arreglos/collage (pistas 1, 3, 5, 6, 8, 9, 11-15, 17). El sonido acústico de mi guitarra eléctrica también suele estar presente: le pongo un micrófono para mostrar lo que está sucediendo en ese sentido más tradicional. Es interesante tener la referencia del sonido acústico de la guitarra, con los mundos expansivos de sonido que está produciendo”.
Es fascinante conocer los recursos que Nate ha utilizado en cada una de sus composiciones, sin perder de vista que su guitarra es un elemento constante en todas ellas, tal como nos explicó con anterioridad. Así, lo expone detalladamente a través de cada pieza musical: 1. For The Highest Quality Listener Testing the Limits: contiene muestras de las flautas de Luis Pérez Ixoneztli y el gong y los platillos de Carlos Niño de una sesión de trío en la casa de Carlos en Topanga, California. 2. Sound Within Sound: contiene muestras de la flauta de André 3000 y la batería de Carlos Niño de una sesión en Hollywood, California. 3. Surfing, in Manhattan: contiene muestras de la voz de Laraaji, los teclados de Surya Botofasina, los platillos de Carlos Niño y mi sintetizador de guitarra de un concierto en Nublu en Manhattan, Nueva York, el 14 de enero de 2022. 4. Excellent Traveler Theme: contiene muestras del saxofón de Idris Ackamoor, la percusión de Carlos Niño y mi batería de guitarra de un concierto en trío en el SF Jazz Center en San Francisco, California, el 22 de febrero de 2023. También incluye sonidos de BART grabados mientras viajaba con Alyssa y Juniper. 5. Infinite Palaces of Possibility / Horse: contiene muestras de la flauta de André 3000 y una caja de ritmos Yamaha EM90 de una sesión en Santa Mónica, California. La sección central de esta pieza presenta una actuación en trío en vivo con Carlos Niño y André 3000 grabada en Earthstar Creation Center en Venice, California, por Ken Oriole. 6. Continually Cresting: contiene muestras de mis propios sintetizadores de guitarra y atmósferas nocturnas de Tujunga. 7. I Am In The Fire Place: contiene muestras de la flauta de André 3000 y la batería de Carlos Niño de una sesión en Hollywood, California. 8. Worlds Beyond (into it): contiene muestras del clarinete de Shabaka Hutchings y los platillos de Carlos Niño de una sesión en Malibú, California. 9. Worlds Upon Worlds: contiene muestras del saxofón de Kamasi Washington y los platillos de Carlos Niño de Mia and Jesse’s en Glendale, California, así como un instrumento midi creado a partir de una nota de la flauta de André 3000. 10. Watershed, en Oakland: contiene muestras de mis propios sintetizadores de guitarra. 11. Ears as Eyes (Benton, Tujunga, Mayer): contiene muestras de viento y clima en Benton, California, atmósferas nocturnas en Tujunga, California, Butternut Creek en Mayer, Arizona e imitaciones de pájaros con sintetizador de guitarra. 12. Immersive Realization Landscape: contiene muestras de flautas y tambores de la colección de Luis Pérez Ixoneztli, salterio, atmósferas de Benton, California y grabaciones de un concierto casero con Juniper hablando y tocando la marimba. 13. From One Place To Another: contiene muestras de la voz de Cavana Lee, el teclado de Surya Botofasina y los platillos de Carlos Niño de nuestro concierto en Colonia, Alemania, en King Georg, el 12 de noviembre de 2021. 14. Juniper’s Theme: contiene muestras de la marimba de Juniper y ondas de guitarra sintetizadas. 15. DJinn’: contiene muestras de la voz y la cítara de VCR de The Village en Santa Mónica, California, la batería de Anaiah Rasheed Muhammad, un concierto de The World Stage en Leimert Park con Dwight Trible, Andrés Rentería, Carlos Niño, Aaron Shaw y yo, las perchas de metal detrás del escenario en National Sawdust en Brooklyn y sonidos de cruces de peatones en Ámsterdam, Países Bajos. 16. Sky Spine Curving Into The Horizon: contiene muestras de mis sintetizadores de guitarra e imitaciones de pájaros con guitarra. 17. Awayness: contiene muestras de las respiraciones y el saxofón de Kamasi Washington y los platillos de Carlos Niño del estudio de Mia y Jesse en Glendale, California.
Una propuesta arriesgada en la que Nate hace un uso de la guitarra excepcional, bien funcionando como sampler o sintetizador. Los sonidos que produce son evocadores y aportan una sensación de relajación. Con una duración generosa de casi noventa minutos, esta obra invita a la desconexión y al olvido de las preocupaciones cotidianas. La música se convierte en un refugio sonoro, esencial en la era de la aceleración.
Ben Levin: piano, organ, vocals; Lil’ Ed: guitar, vocals (1); Sonny Hill: vocals (4); Candice Ivory: vocals (5); Lil’ Jimmy Reed: guitar, vocals (9); Aron Levin: guitar (1-4, 7-10); Takuto Asaho: guitar (5, 6); Joe Polen: saxophone (4, 5); Eli González: saxophone (6); Walter Cash, Jr.: bass (1,4, 7, 9, 10); Jim Anderson: bass (2, 8); Chris Douglas: bass (6); Cole Baker: drums (1, 3, 4, 5, 7, 9, 10); Art Gore: drums (2, 8); Ricky Nye: drums (9); Oscar Bernal: drums (6).
1. Candy Cane (feat. Lil’ Ed) 2. It’s Christmas Time 3. Elf Boogie 4. Next Christmas (feat. Sonny Hill) 5. Christmas Mood (feat. Candice Ivory) 6. Forgot Mrs. Claus 7. Regifted 8. Skating 9. Lump of Coal (feat. Lil’ Jimmy Reed) 10. SantaCon
Ben Levin es un joven pianista y cantante de Cincinnati que cuenta con tan sólo veinticuatro años de edad. Cursó estudios de música en el College of Musical Knowledge. Debutó en disco en 2017 y posteriormente fue fichado por la Compañía Vizztone, con la que publicó cuatro nuevos discos, más un Ep en 2023, junto a la cantante Stella Heath. Su anterior trabajo largo, Take Your Time (2022), contaba con las colaboraciones de Bob Stroger, Lil’ Ed, Lil’ Jimmy Reed, Johnny Burgin y Noah Whoterspoon. De nuevo en 2023, junto a Lil’ Jimmy Reed lanzó un disco conjunto en la Compañía Nola Blue. En estas fechas, nuestro pianista y cantante regresa a Vizztone y presenta un disco navideño que cuenta con la participación de nuevo de Lil’ Ed y Lil’ Jimmy Reed, además de las colaboraciones de Candice Ivory y Sonny Hill. Levin se destaca principalmente en el piano, lo que le ha valido tres nominaciones en los Blues Music Awards, incluyendo la de mejor pianista del año para 2023 y 2024. Para celebrar la Navidad, se inspira en los géneros que más aprecia, como el blues, el R&B y el jazz vocal. Levin ha trabajado en la composición de un total de ocho melodías navideñas, además de reinterpretar dos obras reconocidas como lo son “It’s Christmas Time” de Robert. Johnson y M. Jarney y “Skating” de Vince Guaraldi.
La pista inicial, “Candy Cane”, se caracteriza por ser un blues genuino, aunque sus letras evocan la esencia de la Navidad. En esta canción, Lil’ Ed Williams, un reconocido músico de Chicago, brilla con su voz y su distintivo estilo de guitarra slide, acompañado de manera efectiva por el piano de Ben y una robusta sección rítmica. A continuación, tiene lugar “It’s Christmas Time”, que se adentra plenamente en el ambiente navideño. Ben, en esta ocasión, canta y toca el piano, imitando el estilo del célebre Charles Brown, y también se desempeña en el órgano, mostrando su versatilidad en ambos instrumentos. Su padre, Aron Levin, aporta su talento como guitarrista, realizando sutiles intervenciones que fusionan el blues y el jazz de manera efectiva. La pista titulada “Elf Boogie” es un vibrante boogie woogie que resalta la habilidad de Ben en el piano, respaldado por la guitarra de su padre y la sección rítmica. Por otro lado, la balada navideña “Next Christmas”, interpretada por el experimentado Sonny Hill, se adentra en el estilo soul. En esta canción, Ben cambia al piano eléctrico, enriqueciendo la melodía con el acompañamiento de una sección de vientos. Ben forma un dúo vocal con la talentosa cantante Candice Ivory en la pieza “Christmas Mood”. En esta colaboración, Ben reafirma su destreza en el órgano, mientras que Takuto Asano aporta sutiles riffs de guitarra jazzística. El magnífico blues “Forgot Mrs. Claus” presenta una fusión cautivadora en la que Levin combina su destreza al piano con la guitarra de estilo blues de Takuto Asano y el saxofón de Eli Gonzalez. “Regifted” es un sentido blues en el que Ben regresa al estilo de Charles Brown. Excelente en el piano y contando con la solvencia en la guitarra de su padre Aron. Es un tema que habla de la pérdida de la chica, la cual ha confiado los regalos navideños a otro joven. La pieza instrumental “Skating” permite a Ben exhibir su destreza en el órgano, siendo parte de la banda sonora de los icónicos dibujos animados de Charlie Brown. Además, el legendario cantante y guitarrista de blues de Louisiana, Lil’ Jimmy Reed, nacido en 1938, se adueña de “Lump Of Coal”, mostrando que su talento sigue vigente a pesar de los años. Su interpretación es un testimonio de su longevidad en la escena musical. El álbum culmina con “SantaCon”, una canción que refleja el estilo característico del cantante y pianista de Louisiana, Professor Longhair. Este cierre es un excelente remate para un disco navideño que demuestra que la calidad musical puede coexistir con la comercialidad típica de la temporada.
La obra en su totalidad destaca la diversidad de géneros, incluyendo jazz, blues, r&b y soul, en un ambiente festivo. Si bien Ben no se puede catalogar como un cantante excepcional, a mi juicio, ha logrado ajustar su estilo vocal al inspirarse en artistas que escuchaba en su adolescencia, como Amos Milburn y Charles Brown, lo que ha resultado en una mejora notable. En cambio, su habilidad en los teclados es verdaderamente excepcional, lo que se evidencia de manera clara en su álbum, donde destaca tanto en el piano acústico como en el eléctrico y en el órgano. Aprovechemos, por lo tanto, el obsequio que Ben y sus amigos nos ofrecen en estas fechas tan significativas.
Imagen de Portada: Parte frontal del Lp “Ben Levin Presents A Holiday Blues Revue”, de Ben Levin.
