Hay discos que nacen de la calma y discos que nacen de la fractura. Tadpoles, el quinto álbum de Nick Wheeldon junto a The Living Paintings, pertenece a esa segunda categoría: un trabajo que respira suavidad, luz y una aparente serenidad, pero cuyo origen está marcado por tensiones, reconstrucciones y un proceso emocional que el propio Wheeldon describe como profundamente sanador. Nick aclara cómo surgió el título del disco y cuáles eran sus intenciones al componerlo:
“Al final, nosotros éramos los renacuajos (tadpoles) y nos tocaba evolucionar. Hay un vínculo con la fascinación por la naturaleza, la evolución, y no solo la de mis canciones, sino también mi propia evolución. Fui a un terapeuta y eso influyó mucho en la composición de este disco”.
Nick Wheeldon a Pierre-François Long para Sound of violence
Grabado en una semana intensa, tocando juntos en el estudio y registrándolo todo en analógico tras un primer intento fallido, en medio de tensiones, silencios y reconciliaciones dentro de The Living Paintings, Tadpoles captura el momento exacto en que un grupo de músicos —y de amigos— decide seguir adelante a pesar de todo. Lo que escuchamos no es solo música: es el sonido de seis personas intentando hacer algo bello en el peor de los momentos, un acto de fe en la fragilidad compartida.
🎯 Las sugerencias de escucha 2026 reúnen una selección abierta y diversa de álbumes que irá creciendo disco a disco. Del rock y pop independiente a las músicas de raíz, pasando por el folk, el jazz, la música brasileña o distintas formas de música instrumental, cada entrada busca abrir un espacio para la exploración sonora sin etiquetas ni fronteras.
No se trata de construir una lista definitiva, sino de compartir hallazgos musicales que merecen ser escuchados. Los estilos conviven, se cruzan y a veces se contradicen —como lo hace la música cuando está viva.
La playlist de 2026 irá creciendo disco a disco. Puedes escucharla aquí:
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Mientras tanto, puedes revisitar el recorrido sonoro de 2025:
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A continuación, puedes explorar el álbum completo en video sin salir de la página y leer la reseña crítica que lo acompaña.
Esta playlist reúne las nueve piezas tal y como fueron concebidas y grabadas por Nick Wheeldon & The Living Paintings: en directo, en una semana intensa de trabajo, tras un primer intento fallido y en plena reconstrucción emocional del grupo.
Es una forma de entrar en el disco tal como respira: cálido, frágil, luminoso y profundamente humano. Deja que estas canciones se desplieguen una tras otra y revelen el mundo sensible que las sostiene.
Créditos del álbum
Nick Wheeldon – voz principal, guitarra rítmica; Paul Trigoulet – guitarra solista, trompeta, producción, grabación, mezcla; Sam Roux – piano, coros; Stéphane Jach – violín, flauta; Luc Martin – bajo; Nico Brusq – batería
Sección de vientos invitada: Marc Mouches – saxofón; Michel Roux – mellófono; Laurent Rigaut – saxofón, clarinete bajo.
Grabado en directo en Lüe (Landes, Francia). Sesiones realizadas en una granja, con un estudio móvil construido para la ocasión. Grabación analógica. Producido y grabado por Paul Trigoulet. Mezclado en Fausse Boutique Studios (Lille). Masterizado por Stéphane Teynie. Sello: Le Pop Club Records. Lanzado el 27 de marzo de 2026.
Nick Wheeldon & The Living Paintings
Nacido en Sheffield y afincado en Francia desde hace más de una década, Nick Wheeldon ha construido una trayectoria singular dentro del folk contemporáneo: una obra que rehúye la perfección de estudio y se alimenta, en cambio, de la fragilidad, la inmediatez y la verdad emocional del directo. Para Wheeldon, grabar canciones no es un ejercicio técnico; es una forma de comprender lo que el cuerpo recuerda cuando la mente ya ha intentado olvidar. “Cuando escribí esta canción, me sanó, fue mi medicina”, confiesa sobre Sleeping Dogs, una de las piezas centrales de Tadpoles. Esa relación íntima entre creación y reparación atraviesa toda su música.
Desde sus primeros proyectos en Inglaterra hasta su asentamiento en Francia, Wheeldon ha ido reuniendo a su alrededor una comunidad de músicos que comparten una misma sensibilidad: The Living Paintings. Con ellos ha desarrollado un lenguaje propio, un folk cálido y luminoso que no teme mostrar sus grietas. La banda —Nico Brusq, Luc Martin, Stéphane Jach, Sam Roux y Paul Trigoulet— no actúa como mero acompañamiento; funciona como un organismo vivo que respira al unísono. Tras cinco años de trabajo conjunto, su sonido se ha convertido en un espacio de confianza, tensión creativa y reconstrucción mutua.
Los conozco desde hace años, sé por qué toco con ellos y ellos saben por qué tocan conmigo, nunca hay sorpresas desagradables.
Nick Wheeldon a Pierre-François Long para Sound of violence
Su discografía, marcada por la honestidad y la búsqueda emocional, lo ha convertido en una de las voces más singulares del folk europeo. Wheeldon combina tradición y contemporaneidad sin caer en la nostalgia, y cada nuevo proyecto amplía ese territorio íntimo donde la música se convierte en un espacio humano, imperfecto y profundamente vivo.
En un panorama saturado de artificio, Wheeldon y The Living Paintings reivindican la autenticidad como una forma de resistencia: música que respira, que se equivoca, que se sostiene en la escucha y en la vulnerabilidad compartida.
🎧 Escucha crítica — Tadpoles
Tadpoles es un álbum que puede resultar engañoso en una primera escucha. Suave y luminoso, parece fluir con facilidad, como si todo surgiera de manera orgánica. Sin embargo, al prestar atención, se revela la tensión subyacente: la respiración del directo, la fragilidad de las grabaciones en una sola toma, la interacción entre músicos que atraviesan un momento delicado y, sobre todo, la intención de Wheeldon de componer desde un espacio donde la vulnerabilidad trasciende lo estético y se convierte en una condición esencial.
Desde los primeros compases de You Can’t Have It All se percibe esa mezcla de suavidad, cansancio y claridad que atraviesa todo el álbum: una guitarra que avanza con un pulso lento, un piano que ilumina sin imponerse, un violín que entra como un pensamiento que aún no se atreve a decirse. La producción deja espacio para que la voz respire, para que cada silencio cuente. Es una puerta que se abre con cuidado, un vestíbulo emocional antes de entrar en habitaciones más íntimas.
Pero la canción no se queda ahí. A medida que avanza, va ganando cuerpo: el violín deja de ser un susurro y toma protagonismo abriendo la melodía hacia arriba, como si la canción encontrara de pronto un aire nuevo. La sección de vientos irrumpe con una calidez inesperada, ampliando el horizonte sonoro sin romper la delicadeza inicial. Ese crecimiento —lento, orgánico, casi tímido— establece el carácter del álbum: una música que comienza con contención y culmina en una luz sutil que, sin pretender imponerse, termina por abarcarlo todo.
En Sleeping Dogs, el álbum revela uno de sus centros emocionales. Wheeldon lo explica con una franqueza desarmante:
“Algunas canciones significan más que otras. Cuando escribí esta canción, me sanó, fue mi medicina. La toqué en los conciertos en cuanto pude; sería la última canción de las giras de Demon Hosts & with Friends. Habla de la huella del trauma en el cuerpo, mucho después de que la mente haya sanado o reprimido, despertando cuando menos lo esperamos y en las circunstancias más extrañas. Nuestros Sleeping Dogs exigen atención constante”.
Explicación de Wheeldon en el vídeo oficial de la canción
La banda sostiene la canción con una delicadeza absoluta: un arpegio mínimo, casi infantil, que todos respetan como si fuera un espacio sagrado. La batería entra suave, el bajo apenas se insinúa, el piano es delicado, y la guitarra eléctrica —presente de principio a fin, siempre contenida— dibuja líneas que acompañan sin imponerse, con algún solo breve que ilumina la melodía. La voz de Nick sonando emocionante como nunca.
La música acompaña la idea central de la canción —la memoria del cuerpo, el trauma que despierta sin aviso— con un movimiento circular, como un pensamiento que vuelve una y otra vez sin encontrar salida. En directo, Sleeping Dogs cerraba los conciertos de Wheeldon, y aquí conserva ese carácter ritual: es el punto donde el disco se abre del todo, donde la vulnerabilidad deja de ser un matiz y se convierte en fundamento.
En Tadpole, el álbum se mira a sí mismo. La melodía avanza a pequeños saltos, como si imitara el movimiento del renacuajo que da título al disco. Wheeldon canta desde una aceptación tranquila: crecer no siempre es una elección, pero sí una necesidad. La canción funciona como un espejo emocional, un recordatorio de que la evolución no siempre es luminosa, pero sí inevitable.
El tono cambia con Calamity, una de las canciones donde la melancolía se vuelve más nítida, pero no desde la quietud: es un tema que avanza con un pulso vivo, casi impaciente, como si la emoción necesitara moverse para no desbordarse. Wheeldon reconoce que le cuesta escribir canciones alegres, y lo explica con una sinceridad desnuda:
“¡Calamity trata sobre un pájaro al que veo morir, es el tipo de momento muy raro que puedes tener en una vida, tan crudo como fascinante… De hecho, se trata de apreciar todos los momentos de la vida!”
Nick Wheeldon a Pierre-François Long para Sound of violence
La banda acompaña esa escena con una energía contenida pero firme: la batería marca un ritmo decidido, el piano sostiene la armonía con un tono cálido, y el violín se vuelve narrativo, casi cinematográfico. No es una balada; es una canción que avanza, que empuja, que parece describir un suceso que aún no sabe cómo interpretar. Calamity es la habitación donde la vulnerabilidad se observa desde fuera, donde el mundo muestra su fragilidad antes de que el protagonista mire la suya.
Patient of Desire devuelve al disco a un espacio de contención. La guitarra y el piano avanzan con una calma suspendida, la voz se mueve en un registro íntimo y, en el primer tramo, la flauta se desliza con suavidad, aportando un soplo de aire que acentúa la fragilidad del tema. La canción habla de la paciencia emocional, de ese deseo que no se puede forzar. El silencio forma parte del paisaje: es una de las habitaciones más quietas del álbum.
Pero, fiel al estilo de Wheeldon, esa quietud no es el destino final. A mitad de camino, la canción se abre hacia una segunda parte puramente instrumental que no tiene nada que ver con la primera y que, sin embargo, encaja con una naturalidad sorprendente. Wheeldon lo explica con sencillez: el grupo quiso que empezara solo, y la sección instrumental —heredada de una versión anterior que tocaba con otra banda— se grabó prácticamente en una toma, con el pianista desplegando un pasaje que aporta un soplo de aire fresco a un álbum muy denso en palabras.
Ese contraste entre intimidad y expansión, entre canción y deriva instrumental, es uno de los rasgos más característicos de su escritura: una forma de dejar que la música respire por sí misma cuando las palabras ya no alcanzan.
En Hilda & Jesus, la mirada se abre hacia fuera. La canción avanza como un pequeño cuento, sostenido por una instrumentación cálida que mezcla folk y americana sin caer en el pastiche. El piano aporta claridad, el violín acompaña la historia, la batería marca un pulso discreto. Las guitarras marcan su toque. Es un retrato de resistencia cotidiana, de ternura en medio de la precariedad.
Forgotten Lines funciona como un suspiro, un punto de inflexión. Habla de lo que se pierde en el camino: frases no dichas, gestos incompletos, momentos que se desvanecen. La producción es ligera, pero debajo late una melancolía que no necesita explicarse.
Con Sooner or Later, el disco recupera un pulso más firme. La batería marca un ritmo decidido, el piano ilumina, la voz y las guitarras avanzan con determinación cansada. Es una canción sobre el momento en que uno deja de esperar y empieza a aceptar, una habitación donde la luz entra con más fuerza.
El cierre del disco llega con Summer Prey, su momento más amplio y también el más vivo. Durante los últimos dos años, Wheeldon y The Living Paintings terminaron todos sus conciertos con esta canción, y nunca la tocaron igual dos veces. Él mismo lo explica con una mezcla de naturalidad y orgullo:
“Durante los últimos dos años hemos terminado todos nuestros conciertos con esta canción y nunca hemos tocado el mismo final dos veces. La versión que elegimos no suena necesariamente como solemos hacer, así que los directivos tuvieron que adaptarse, pero fue en la que mi voz sonó mejor. También quería un final natural, no un fundido de fondo, y estaba muy bien que fuera el bajista quien terminara el álbum así, ¡normalmente es un instrumento que no se escucha mucho!”
Nick Wheeldon a Pierre-François Long para Sound of violence
Ese carácter abierto y cambiante se siente en la grabación. Summer Prey empieza con calma, pero avanza en un in crescendo que va sumando capas: guitarras que se expanden, un piano que ilumina sin imponerse, un violín que respira alrededor de la voz, un bajo con plena presencia hasta convertirse en el eje del final, mientras la batería marca golpes secos que empujan la música hacia adelante.
La voz, lejos de buscar protagonismo, actúa casi como un instrumento más: repite frases, se integra en el tejido sonoro, acompaña el ascenso sin imponerse. Y cuando llegan los metales, lo hacen como un horizonte que se abre, no como un adorno.
El final —sin fundido, sin artificio, sostenido por el bajo— tiene algo de gesto físico, casi corporal: la música se detiene porque los cuerpos deciden detenerse, no porque alguien cierre la puerta desde fuera. Summer Prey no clausura nada; deja un espacio abierto donde la energía y la vulnerabilidad conviven sin conflicto.
🎼 Cierre
Tadpoles es un disco que rehúye el deslumbramiento y se acerca para acompañar. No busca la épica ni el gesto rotundo: apuesta por la claridad, la escucha y una vulnerabilidad que solo aparece cuando un grupo confía lo suficiente como para tocar sin esconderse. Wheeldon y The Living Paintings construyen aquí un espacio donde la fragilidad deja de ser un defecto y se convierte en una forma de estar en el mundo, una manera de sostenerse unos a otros incluso cuando todo alrededor parece tambalearse.
A lo largo del álbum, esa fragilidad se transforma en una luz tenue, en una respiración compartida, en una voluntad de decir solo lo necesario. Lo que queda al final no es una conclusión; es una sensación: la de haber atravesado un territorio íntimo, imperfecto y profundamente humano. Tadpoles no cierra nada; deja una claridad suave, como la de una mañana que todavía no decide si será luminosa o gris. Y quizá ahí resida su fuerza: en recordarnos que crecer, sanar o simplemente seguir adelante no siempre es un acto heroico. A veces es solo esto: un grupo tocando juntos, una voz que se atreve a nombrar lo que duele, una música que respira sin prisa.
Un disco pequeño en apariencia, grande en todo lo que deja dentro.
