Sugerencias de escucha (Mayo-Agosto, 2023)

En esta entrada voy incluyendo las sugerencias de escucha de Pie de Página durante los meses comprendidos entre mayo y agosto de 2023.

Maria Fernanda Ruette: voz principal, cuatro; Raúl Monsalve: bajo, percusión, voz; Edgar Bonilla Jiménez: teclados, voz.

Insólito Universo lo componen un trio de músicos de Venezuela, actualmente afincados en París. Ese puerto existe es su segundo trabajo. En el disco mezclan el folclore venezolano (merengues, joropos, fulías, tonadas…), con el canto lírico y la música psicodélica. María Fernanda Ruette, la voz principal del grupo, es una mezzosoprano que ha estudiado canto lírico en la rama de música antigua. Toca muy bien el cuatro o guitarra venezolana. Es también poeta y la letrista de la mayoría de las canciones, de ahí radica el valor de las letras. Raúl Monsalve es un musicólogo, que además de bajista es un excelente percusionista, también compone y escribió la letra de “El Chivo”. Completa el trío, el pianista y tecladista, Edgar Bonilla Jiménez. Compone y escribe la letra de “Goyo Tuyero”. La idea del disco y que se centra en la canción que da título al disco, es encontrar el puerto de cada uno. Es un trabajo que quizás lleve toda la vida. Pero también se habla del exilio, cómo ellos mismos se han visto forzados a emigrar a otro país. El título de la canción lo han tomado de un poema de la poetisa Blanca Varela, y María Fernanda ha completado la excelente letra. En el disco escucharemos instrumentos venezolanos, el cuatro, las maracas, el furro, la tambora… que junto a otros instrumentos, como el guitalele o la flauta y los teclados y sintetizadores, aportan esa fusión tan especial realizada por los músicos venezolanos.

Ese puerto existe

Siéntate en esa orilla clara y ancha del mar.
Retumbando el oleaje, lleva sordo tanto viaje
¿Dónde vienes, dónde vas?
¿Qué traes de menos, de más?
Las manos enterradas, entre arenas, redes, barcas.
Y ese puerto despertó,
luego partió y después llegó
mar afuera, tierra adentro,
tan ancho y sincero
plantado en el centro, ese puerto
Ay, ese centro.
La luna arriba se mece y crece su preguntar.
Los planetas embisten y yo esquivo el más allá.
Unos lejos, otros cerca, encontrarnos,
¿Qué será?
Ese puerto ya existe, esa entrada al más acá.
Y esa estrella titiló,
luego cayó y después subió.
Desatando el infinito
en un grano de arena
tan grande y chiquito, esa estrella,
ese granito.
Esa estrella, ese granito…

María Fernanda Ruette

John Pizzarelli: vocal y guitarra; Isaiah J. Thompson: piano; Mike Karn: contrabajo.

Celebra el maestro de la guitarra y el jazz vocal de Nueva Jersey, John Pizzarelli, el 40 aniversario del lanzamiento de su primer disco en 1983. Y lo hace en un homenaje al mundo del espectáculo de Broadway y Hollywood, porque como él mismo nos explica, “Al pensar en algunas de las canciones que realmente me encanta tocar, me di cuenta de que muchas de ellas provienen de un espectáculo de Broadway o de una película. Una idea como Stage & Screen me libera para explorar una amplia gama de compositores y épocas, y continúa ofreciendo una gran cantidad de nuevas posibilidades”. John se hace acompañar de dos formidables músicos, Isaiah J. Thompson en piano y Mike Karn en contrabajo. Ha recuperado el formato de trío en el que afirma encontrarse muy a gusto. Su primera pieza es el tema musical de una sitcom, “Too Close For Comfort“ de Jerry Bock, David Weiss y Larry Holofcener. En él nos anuncia el carácter que va a tener el disco. Empieza cantando John para después acompasar su voz con la guitarra, dando paso más tarde a los solos del piano de Isaiah y el contrabajo de Mike, y regresar de nuevo al ensamble de voz con guitarra y cantar finalizando. Más o menos así será el esquema en el disco en las canciones cantadas como, “I love Betsy” de Jason Robert Brown, que pertecece a la película Honeymoon in Vegas. Le sigue la pieza musical “I Want To Be Happy” del musical No, No, Nanette (Vincent Youmans e Irving Caesar), una vertiginosa pieza donde Pizzarelli demuestra su virtuosismo a la guitarra, pero no dejemos atrás a Isaiah y Mike, porque nos demuestran porque tenían que tocar junto al maestro. Del mismo musical es “Tea for Two”. “Just in time” pertenece al musical Bells Are Ringing (Jules Styne, Adolph Green, Betty Comden). Otras piezas son, la delicada instrumental “Some Other Time” (Leonard Bernstein, Roger Edens, Adolph Green, Betty Comden), la conocidísima y también delicada cantada “Where Or When” (Richard Rodgers, Lorenz Hart), la instrumental “Oklahoma Suite” (Rodgers, Hammerstein) y “Time After Time” (Jules Styne); para llegar a la emblemática “As Time Goes By” (Herman Hupfeld) de la película Casablanca cuya estrofa final nos dice: “It’s still the same old story (Sigue siendo la misma vieja historia) /A fight for love and glory (Una lucha por el amor y la gloria) /A case of do or die (Un caso de vida o muerte) /The world will always welcome lovers (El mundo siempre dará la bienvenida a los amantes) / As time goes by (A medida que pasa el tiempo)“. Finaliza la canción con guiño final de la guitarra a La Marselleise. Termina el disco la trepidante “Coffee In A Cardboard Cup” ( John Kander, Fred Ebb) del musical 70, girls, 70. Un disco formidable del veterano Pizzarelli.

April Verch: violín, voz principal y armonía; Cody Walters: banjo, guitarra, bajo, voz principal y armonía; Pharis Romero: guitarra y voz principal en las pistas 2 y 12; Jason Romero: banjo en las pistas 2 y 12; Betse Ellis: violín en las pistas 5 y 11; Clarke Wyatt: guitarra en la pista 5.

April Verch es una violinista, cantante y bailarina originaria de Rankin en Ontario (Canadá). Comenzó desde pequeña sus clases de danza y violín. Cursó después clases en la Berklee College of Music. Obtuvo diversos premios por su virtuosismo al violín. Más tarde creó su propia banda y recorrió diferentes festivales mostrando su folclore del valle de Ottawa. Por su parte, su marido Cody Walters, procede de Kansas (U. S.) y es un vocalista y multiinstrumentista reconocido. Se unió a la banda de April en 2007. Lo que cambia ahora con el nuevo disco “Passages and Partings”, es que básicamente han realizado un trabajo como dúo. Han trabajado sobre algunas melodías antiguas, mezcladas con piezas legendarias como “Mansion On The Hill” de Hank Williams, “Ain’t Gonna Get No Supper Here Tonight” de Bob Carlin y “Horse and Buggy-O” de Art Stamper. “John and Carol’s Waltz” y “Firewood” son dos originales de April. “Sojourn” tiene letra de April compartida con la violinista Betse Ellis y “Dear Brother” y “Passages and Partings” están co-escritas con Si Kahn. El dúo demuestra la versatilidad en la voz y la maestría en la instrumentación. Pero además cuentan con destacadas colaboraciones, como el magnífico dúo canadiense Pharis y Jason Romero, la virtuosa violinista Betse Ellis y el guitarrista Clarke Wyatt. El disco surgió entre 2020 y 2021 cuando ocurrió la epidemia de Covid, pero April y Cody al disponer de tiempo fueron puliendo los arreglos de las canciones, consiguiendo de esta manera un disco de folk extraordinario lleno de matices.

Kenneth Pattengale, voz y guitarra Martin 0-15, 1954; Joey Ryan, voz, banjo, guitarra Gibson J-45, 1951. Ocasionalmente hay un aporte de instrumentos adicionales, bajo, órgano o cuerdas.

The Milk Carton Kids son un dúo de cantantes y guitarristas procedentes de Los Ángeles, California. Ya tienen varios trabajos a sus espaldas y algunos premios en su haber. En este reciente disco esa veteranía se aprecia. Ambos cantan armonizando sus voces semejando al inmortal dúo de Simon y Garfunkel, aunque ellos tendiendo un poco más al country o al bluegrass, en alguna canción, pero sin abandonar su impulso folk.

Pero si en principio el ser dos componentes pueda parecer una música simple, no lo es tanto, porque además de las voces armoniosas, el trabajo en las guitarras acústicas es impresionante. Joey Ryan suele mantener el aporte rítmico con su guitarra, mientras que Kenneth Pattengale establece un colorido con su guitarra de seis cuerdas inusual, por la brillantez de los acordes y armonías con las que tiñe su instrumento en cada pieza.

Kenneth cuenta que su guitarra procede de una venta de ebay de 2009, donde compró una vieja Martin 0-15, de 1954. Como no acababa de conseguir el sonido que quería porque las cuerdas vibraban, se le ocurrió anudar un pañuelo en el mástil para amortiguarlas y de esta manera consiguir el sonido que siempre había deseado. Es también curioso como consiguió su guitarra Ryan. Por lo visto, un aficionado a su música decidió regalarle una Gibson J de 1951. Y ambos afirman que sus guitarras son consideradas como otros dos componentes del grupo.

En algunas canciones introducen el banjo, un bajo, el órgano o cuerdas, como en la triste y melancólica pieza que da título al disco. Delicado y hermoso trabajo.

Joe Farnsworth, drums; Immanuel Wilkins, alto sax; Kurt Rosenwinkel, guitar; Julius Rodriguez, piano and fender Rhodes;
Robert Hurst, bass.

Nacido en 1968, Joe Farnsworth es un veterano batería de Holyoke (Massachusetts), que ha trabajado con grandes leyendas del jazz, como Cedar Walton, Arthur Taylor, George Coleman, Pharoah Sanders o Harold Mabern. Y precisamente del veterano compositor y pianista toma la canción que da título al disco, y que se prefigura muy representativo de las intenciones que quiere plasmar en el álbum, ¿En qué dirección te diriges? Es decir, ha bebido de grandes maestros y ahora se trata de buscar nuevos caminos, con otros músicos veteranos que siguen experimentando, como el guitarrista Kurt Rosenwinkel, quien llamó a Joe para compartir escenario en el Village Vanguard y donde nuestro baterista quedó maravillado con sus composiciones y su sonido tan especial de guitarra. Para este su nuevo disco, el guitarrista se erige como pilar fundamental; también veterano es el contrabajista Robert Hurst, con una carrera de líder consolidada y como músico de apoyo ha trabajado con grandes nombres, como los hermanos Marsalis o Diana Krall. Pero por otro lado, quiere rodearse de savia nueva, de ahí que llame al joven saxofonista alto, Immanuel Wilkins, que cuenta en su haber con dos discos destacados por los que está apostando la prestigiosa Compañía de discos Blue Note; y a un joven pianista (también baterista) Julius Rodríguez, con un deslumbrante debut el año pasado en la también prestigiosa Verve, en un disco donde entremezclaba distintos géneros. Son cinco deslumbrantes músicos que individualmente van a poder mostrar su clase en un disco donde podemos escuchar ese deslizamiento entre el jazz con ecos clásicos y la apuesta contemporánea, demostrando el maestro Farnsworth que no se equivocaba en su nuevo caminar con un pie hacia atrás y otro hacia el horizonte.

Ryan W Stevenson: Hammond organ, mellotron, Hohner pianet, piano, electric pianos, acoustic and electric guitars, bass guitar, vocals, Korg ms20, synthesizers, percussion, flute, field recordings, sound design; Andrea Moneta: Drums and cymbals; Sally Minnear: Voice (1); Caroline Joy Clarke: Voice (1,2,7); Jørgen Munkeby (Shining NO): Tenor sax and flute (3); Mike Benson: Tenor sax (2); Rob Milne: Tenor sax and flute (7); Tomás Figueiredo: French horn (1); Joe Burns: Gong and additional cymbals (7).

El multi instrumentista británico Ryan W Stevenson, es el alma mater de Zopp. En su estudio artesanal de Nottingham ha confeccionado su segundo disco. Si ya su primer lanzamiento en 2020, con nombre homónimo, sorprendía; en este segundo disco ha dado un paso más. Aquel era un disco totalmente instrumental y gratamente se imbuía de la Escena de Canterbury de finales de los años 60 y la década de los 70. En su disco reciente, además de proseguir las coordenadas de su disco inicial, incorpora su voz y algunas de apoyo y ello aporta una nueva dimensión al resultado final. Además de en otros instrumentos, donde más sobresale Ryan es en los diferentes teclados, bien órgano, mellotron o sintetizadores, poniendo su mirada en el prodigioso Dave Sinclair de Caravan.

Las dos piezas largas en las que Ryan incorpora la voz, You, con casi once minutos y Toxicity, pieza que cierra el disco, con más de catorce minutos de duración, son extraordinarias. Ryan mismo admitía el reto que supuso componer e interpretar unas piezas tan extensas, pero está claro que en ambas sale airoso, porque no cansan en ningún momento, debido a los constantes giros. Pero hay más, la inicial Amor Fati con el protagonismo del órgano de Ryan dando pie a esos tarareos de Sally Minnear y Caroline Joy, suponen el digno preludio del resto del disco. Un disco que es rico en otros sonidos, como en la canción Bushnell Keeler, donde el teclado más el saxo y la flauta derivan su sonido hacia el jazz y el folk. Quizás la más floja sea Uppmärksamhet, pero bien mirado tampoco desentona porque supone un impasse para dar paso a la dinámica Reality Tunnels, canción que deriva a la psicodelia y es que Ryan admite haber estado escuchando a King Gizzard y Tame Impala y eso se aprecia en la pista. Wetiko Approaching se aproxima al folk, en una pieza cantada cuya corta duración parece querernos encaminar al excelso cierre de Toxicity, como ya antes comenté.

A pesar de que prácticamente todo gire en torno a Ryan, no debemos olvidar los músicos invitados y al fiel Andrea Moneta, cuyo sonido de batería aporta el empaque que el trabajo necesita.

Si sois amantes de legendarios grupos como Soft Machine, Gong, Hatfield and the North o Caravan, no debéis dejar pasar la oportunidad de escuchar a una banda que además de rememorar aquel glorioso sonido, aporta una nueva frescura.

Max Clarke: compositor, guitarra, bajo, teclados, voz; John Andrews: teclados; Keven Louis Lareau: bajo; Noah Bond: batería; Brian D’Addario: piano 1,7; Michael D’Addario: bajo, 1,7. Adicción ocasional de vientos y cuerdas.

Detrás de Cut Worms se halla el compositor, músico y cantante de Ohio, Max Clarke. Actualmente reside en Brooklyn y desde allí ha lanzado su tercer disco.

Max ha tratado de retrotraerse a la época de finales de los cincuenta y década de los sesentas, extrayendo un sonido que bebe mucho de The Everly Brothers, The Beatles y en alguna canción también me recuerda a las armonías y al sonido de The Beach Boys. En estas nueve canciones, Max trata de encontrar la canción pop simple, directa, perfecta. El mismo Max nos lo explica, “En mi opinión, lo que define al pop es una melodía que puedes tararear o silbar, un gancho reconocible que te conmueve emocionalmente. Y luego, algún tipo de historia que lo acompañe. Con una buena canción, puedes hacerlo de la forma que quieras y podría atraer a diferentes personas”.

La temática de las canciones generalmente se mueve entre las dificultades de las relaciones, en los enamoramientos y desengaños amorosos.

Max Clarke ha variado su forma de grabar todo de una vez en un estudio. En el espacio de ensayo grabó y mezcló tres canciones. En Brooklyn, los hermanos D’Addario, de The Lemon Twigs, que este año han lanzado el disco, Everything Harmony, que perfectamente podría estar en esta sección porque es excelente. Echadle un ojo. Decía que los hermanos grabaron en dos canciones y en su estudio en Hudson Valley, Rick Spataro (en la banda Florist) realizó grabaciones también.

En estos momentos en que la música se sobrecarga con toda clase de instrumentos electrónicos, incluso prefabricados, llama la atención la limpieza en la que opera Max Clarke. Se ha dedicado él mismo a mezclar y producir el álbum. En los arreglos prima la sencillez, pero ha sabido aportar unos arreglos de viento y cuerda idóneos en algunas canciones. El conjunto está en función de la inmaculada voz de Max Clarke. Y creedme que  suena realmente bien. Aunque no sólo la voz de Max funciona perfectamente, también hay que valorar sus diferentes maneras de adecuar el sonido de la guitarra a cada pieza y en alguna de ellas se ha inclinado por sonidos folk.

No se me ocurre álbum más luminoso para pasar este verano. Y como dice Max en el título de una canción, Take it and smile (Tómalo y sonríe).

Martina DaSilva, voz; Dan “Chimy” Chmielinski, contrabajo. Invitados: Gabe Schnider, guitarra (1, 7); Chad LB, saxo tenor (2); Joel Ross, vibráfono(4); Lucas Pino, saxo tenor; Sasha Berliner, vibráfono; Sonny Step, voz (8); Dida Pelled, guitarra (8); Grace Kelly, saxo alto (9).

Martina DaSilva es una cantante y compositora de jazz neoyorquina. En 2011 en la School of Jazz and Contemporary Music de nueva York inicia estudios para completar su licenciatura. Fundó en 2013 la banda de jazz The Ladybugs, con la que ha lanzado varios discos y también ha participado en grabaciones de reconocidos intérpretes. Procedente de Glenview (Illinois), Dan “Chimy” Chmielinski es un joven contrabajista, compositor, y también toca el sintetizador. Dan dirige varios grupos de jazz propios y compone música para bandas sonoras de cine, como la creada para el documental The Exiles, ganador de Sundance 2022. En The Juillard School se licenció en 2017, teniendo como profesor a Ron Carter. Ha trabajado con reconocidos músicos, como Wynton Marsalis o Joey Alexander, entre otros. En 2019 se unen Martina y Dan, formando ChimyTina y lanzando un álbum navideño que se destacó en los medios. La experiencia fue tan satisfactoria que repitieron en 2020 con un pequeño disco. En 2022 lanzaron Constellations, con apoyo de algunos invitados, un disco remarcado y en este 2023, vuelven a rodearse de colaboradores para el reciente Milky Way. El disco lo componen un buen número de clásicos del jazz y musicales, una versión de la canción de David Bowie Life on Mars y dos canciones propias de Martina. Twin Flame, compuesta por Martina DaSilva, se hallaba en su anterior disco, pero aquí de manera extendida abre el disco. Se aprecia su influencia brasileña en su manera de cantar la pieza. Dan con su maestría se aplica al contrabajo y Gabe Schnider, apoya en guitarra y acomete un buen solo. Sigue la canción de Louis Armstrong, Just Squeeze Me y cuentan con la colaboración de Chad LB en el saxo tenor. Martina en clave jazz interpreta de forma extraordinario y Chad y Dan proyectan sus buenos solos. En To Each Their Own, composición de Ray Evans y Jay Livingston para la película del mismo título, deliciosamente Martina y “Chimy” interpretan la pieza. En Take a Picture of the Moon, pieza de Joe Young y Little Jack Little, cuentan con la colaboración del vibrafonista Joel Ross que aporta una especial atmósfera a una chispeante interpretación de Martina con apoyo de Dan. Llevándosela a su terreno, Martina interpreta una estupenda versión de la canción de David Bowie, Life on Mars, pero además del destacado hacer de Dan, cuentan con Lucas Pino en el saxo tenor y Sasha Berliner en el vibráfono, aportando un colorido especial. El padre de Martina es brasileño (la madre estadounidense), Martina habla perfectamente el portugués. Lógico por tanto que interprete en portugués de manera tan adecuada junto al inseparable “Chimy”, la conocida bossa nova Manhã De Carnaval, de Luiz Bonfá y Antônio Maria. It Never Entered My Mind, es una pieza de Rogers y Hart, creada para el musical de 1940, Higher and Higher, y de nuevo brilla la voz de Martina, con la compenetración perfecta entre Dan y Gabe Schnider, alternando sus solos de contrabajo y guitarra. If You Want The Rainbow, You Must Have The Rain, con música de Oscar Levant y letra de Billy Rose y Mort Dixon, tiene un brillante mano a mano entre la voz de Martina y la de Sonny Step, con apoyo en la guitarra acústica de Dida Pelled, que se marca un buen solo al igual que Dan en el contrabajo. On the Sunny Side of the Street de 1930 y letra de Dorothy Fields y música de Jimmy McHugh, es una reconocida canción versionada por gran número de intérpretes, comenzando por el gran Louis Armstrong. Aquí de manera muy dinámica ejecutan una excelente pieza Martina y Dan, con magnifico apoyo en el saxofón de la norteamericana Grace Kelly. Cierra el disco la delicada composición de Martina, My universe, que habla de rupturas pero también de tratar de hallar en la angustia un nuevo universo en que creer. También estaba en el anterior disco, pero si allí contaban con el apoyo de Joel Ross, aquí la interpretan ellos dos. Dan apoya la suave voz de Martina con el contrabajo, marcándose un excelente solo también. Para concluir, Martina DaSilva tiene una preciosa aterciopelada voz, versátil para adaptarla a los distintos requerimientos de las piezas en sus diferentes géneros. En este contexto, Dan Chmielinski es el acompañante ideal, extrayendo del contrabajo toda la sonoridad posible, escuchándose con total claridad. Entre ambos o con la ayuda de un selecto grupo de colaboradores han realizado un excelente trabajo, que se antoja muy fresco para escuchar en estos días veraniegos.