Sugerencias de escucha · 2025 

En The Black Dog & The Wandering Boy (2025), McMurtry presenta uno de sus trabajos más íntimos, rindiendo homenaje a su padre a través de la canción que da nombre al álbum, la cual se inspira en las vivencias de su progenitor con la demencia. El “perro negro” y el “niño errante” representan alucinaciones que su padre solía experimentar, elementos que McMurtry transforma en personajes ficticios dentro de su obra. Vuelve a trabajar con Don Dixon (productor de su tercer disco en 1995), y entrega una obra madura, sombría y profundamente humana. Y lo hace con una voz más áspera, más contenida, pero también más lúcida que nunca… (Continúa leyendo y visualiza los vídeos un poco más abajo).

James McMurtry – “The Black Dog & The Wandering Boy” (Sugerencias de escucha · 2025)

Publicado el 20 de junio de 2025 | New West Records
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Se suma a las sugerencias de escucha 2025 por su excepcional capacidad narrativa y su crudeza emocional. The Black Dog & The Wandering Boy recorre territorios interiores con un realismo poético que solo McMurtry puede lograr: canciones que retratan personajes desgastados, vínculos fracturados y una América invisible que camina entre sombras y memorias. Cada tema es una historia que respira con voz propia — austera, sincera, y tremendamente humana.

Créditos: James McMurtry (voz principal, guitarras eléctrica, acústica, de 8 y 12 cuerdas; compositor; coproductor del álbum), Don Dixon (bajo en “Broken Freedom Song”, trombones y slide guitar en “South Texas Lawman”, guitarra trémolo en “Sailing Away” y “Broken Freedom Song”, pequeños aportes varios, coproducción).

Sarah Jarosz (banjo y armonías vocales en “Annie”), Tim Holt (guitarra eléctrica, coros, solo de guitarra eléctrica en “The Color of Night”), Cornbread (bajo, solo de guitarra eléctrica en “The Black Dog and the Wandering Boy”).

Daren Hess (batería), BettySoo (coros en “The Color of Night”, “Back to Coeur d’Alene”, “Sailing Away” y “Pinocchio in Vegas”, guitarra acústica y coros en “Broken Freedom Song”, acordeón y pandereta en “Back to Coeur d’Alene”), Pat MAcdonald (armónica y coros en “Laredo Small Dark Something”, armónica en “The Black Dog and the Wandering Boy”).

Curtis McMurtry (banjo y armonías vocales en “Pinocchio in Vegas”), Diana Burgess (violonchelo en “South Texas Lawman”, “The Color of Night”, “Pinocchio in Vegas”, “Annie” y “Sailing Away”), Sam Pankey (contrabajo en “Pinocchio in Vegas”), Charlie Sexton (cümbüş —instrumento de cuerda turco— en “Sons of the Second Sons”),

Bukka Allen (órgano en “The Color of Night” y “Sailing Away”), Bonnie Whitmore (bajo en “Back to Coeur d’Alene”), Red Young (órgano en “Back to Coeur d’Alene”).

James McMurtry nació el 18 de marzo de 1962 en Fort Worth, Texas, pero creció en Leesburg, Virginia, rodeado de libros, guitarras y silencios largos. Hijo del novelista Larry McMurtry (Lonesome Dove. The Last Picture Show) y de una profesora de inglés, su infancia transcurrió entre la literatura y la música. Su padre le regaló su primera guitarra a los siete años, y su madre le enseñó los primeros acordes. El resto, como él mismo dice, lo fue robando con el oído.

Estudió literatura inglesa y español en la Universidad de Arizona, donde comenzó a escribir canciones mientras trabajaba como pintor, camarero y actor ocasional. En 1987, un amigo lo animó a presentarse al concurso de nuevos cantautores del Kerrville Folk Festival, donde fue uno de los seis ganadores. Ese mismo año, su padre colaboraba con John Mellencamp en una película, y James aprovechó para hacerle llegar una maqueta. Mellencamp quedó impresionado y coprodujo su primer disco, Too Long in the Wasteland (1989), que marcó el inicio de una carrera sólida, coherente y profundamente respetada.

Desde entonces, McMurtry ha publicado más de una docena de álbumes, entre ellos Where’d You Hide the Body (1995), Childish Things (2005) —que incluía la feroz “We Can’t Make It Here”, elegida por Robert Christgau como la mejor canción de la década— y The Horses and the Hounds (2021), que supuso un renacer creativo aclamado por la crítica.

Su estilo combina el folk-rock con una lírica afilada, sin adornos, donde cada verso parece tallado en madera. Es un cronista de los márgenes, de los que envejecen mal, de los que no encajan, de los que siguen adelante aunque no sepan muy bien por qué.

Además de músico, ha sido actor ocasional (en Daisy Miller. Lonesome Dove y como narrador en Ghost Town: 24 Hours in Terlingua) y ha colaborado con artistas como John Prine, Joe Ely, Dwight Yoakam y Kris Kristofferson. Vive en Lockhart, Texas, y hasta hace poco tocaba cada miércoles por la noche en el Continental Club de Austin, después de su amigo Jon Dee Graham.

A lo largo de más de tres décadas, McMurtry ha perfeccionado un estilo sobrio y directo, sin adornos innecesarios, donde cada verso parece tallado en madera. Su voz, cada vez más grave y contenida, transmite una mezcla de cansancio y lucidez que lo emparenta con figuras como John Prine o Kris Kristofferson.

En The Black Dog & The Wandering Boy (2025), McMurtry presenta uno de sus trabajos más íntimos, rindiendo homenaje a su padre a través de la canción que da nombre al álbum, la cual se inspira en las vivencias de su progenitor con la demencia.

El “perro negro” y el “niño errante” representan alucinaciones que su padre solía experimentar, elementos que McMurtry transforma en personajes ficticios dentro de su obra. Vuelve a trabajar con Don Dixon (productor de su tercer disco en 1995), y entrega una obra madura, sombría y profundamente humana. Y lo hace con una voz más áspera, más contenida, pero también más lúcida que nunca.

Desde el primer acorde de “Laredo (Small Dark Something)”, una versión del tema de Jon Dee Graham, McMurtry establece el tono: guitarras secas, ritmo polvoriento y una voz que parece narrar desde el borde del abismo.

“Living in a motel named ‘MOTEL’ out on Refinery Road” («Viviendo en un motel llamado ‘MOTEL’ en la carretera de la refinería») canta, y uno ya sabe que no hay vuelta atrás. Luego remata con otra línea que deja una sombra: “I’m not the man I used to be, but I’m still the one you fear” («Ya no soy el hombre que solía ser, pero sigo siendo aquel al que temes»). Una apertura abrasiva, de esas que se pegan a la piel.

En “South Texas Lawman”, McMurtry retrata a un sheriff que añora los días en que la autoridad no se cuestionaba. Parece una balada, pero se arrastra como un recuerdo que no quiere irse. La batería avanza con lentitud, y la voz suena gastada, arrastrando sílabas como si cargara con décadas de decepción: “I can’t stand getting old, it don’t fit me” «No soporto envejecer, no me queda bien».

Unos trombones apagados —cortesía de Don Dixon— surgen al fondo, como un eco oxidado de autoridad marchita. “They don’t salute no more, they just film you on their phones” «Ya no saludan, solo te graban con sus teléfonos»

“The Color of Night” intensifica la melancolía. La atmósfera se espesa, y la guitarra de Tim Holt arde en segundo plano como una herida sin sangre. McMurtry canta como si pensara en voz alta, acompañado por el órgano de Bukka Allen, mientras los coros de BettySoo entran suaves, casi como un eco emociona: “The color of night is a 60-watt bulb on a cinder block wall” «El color de la noche es una bombilla de 60 vatios sobre una pared de bloques de cemento».

Luego, la guitarra lanza un solo desolado que desemboca en otra frase demoledora: “I don’t remember who swung first, but I remember the floor” «No recuerdo quién lanzó el primer golpe, pero sí recuerdo el suelo»

En “Pinocchio in Vegas”, eleva el ritmo con banjo (de Curtis McMurtry) y una ironía que descoloca. Grotesca y brillante, avanza como un desfile de máscaras rotas: “He’s a real boy now, his dick grows when he lies” («Ahora es un niño de verdad, su pene crece cuando miente»). Pero también se abre una grieta de compasión: “He learned to fake a smile before he learned to shave” «Aprendió a fingir una sonrisa antes que a afeitarse»

“Annie” es contenida y lúcida. El banjo y la voz de Sarah Jarosz aportan suavidad mientras el texto habla por sí solo: “He was in over his head, and we were all underwater” «Estaba sobrepasado, y todos nosotros bajo el agua». Y luego lanza esta imagen quirúrgica: “He read the briefing upside down and still gave the order” «Leyó el informe al revés y aun así dio la orden»

El corazón del disco es “The Black Dog and the Wandering Boy”, una canción inspirada en las alucinaciones de su padre durante la demencia. Con armónica temblorosa y voz grave, McMurtry no canta desde la metáfora sino desde la vigilia, con una mezcla de ternura y resignación: “The black dog and the wanderin’ boy / Come around every night / The wanderin’ boy never gets any older / The black dog doesn’t bite” «El perro negro y el niño errante / Vienen cada noche / El niño no envejece / El perro no muerde».

Y, más adelante, ese suspiro de quien ya no espera alivio: “They oughta both go away when I take my meds / But they don’t” «Deberían irse cuando tomo la medicación / Pero no lo hacen». “They don’t talk, but I know what they mean” «No hablan, pero sé lo que quieren decir».

“Back to Coeur d’Alene” avanza con un tempo medio, constante, como un trayecto sin sobresaltos. El bajo de Bonnie Whitmore empuja suavemente la melodía, mientras el acordeón de BettySoo y el órgano envolvente de Red Young aportan una textura cálida, casi cinematográfica. McMurtry se vuelve personaje secundario de su propia gira: “I’m just another extra in a scene that never ends” («Solo soy otro extra en una escena que nunca termina»).

Y con amargura resignada: “I’m just a name on a flyer, misspelled and fading” «Solo soy un nombre en un cartel, mal escrito y desvaneciéndose». Aunque suena luminoso, deja un regusto amargo.

“Sons of the Second Sons” es la más feroz. Arde sin necesidad de elevar la voz. El ritmo es militar, áspero, y el cümbüş turco de Charlie Sexton añade un brillo oxidado: “Sons of the second sons, products of genocide / Polishing up our guns, living in double wides” («Hijos de los segundos hijos, productos del genocidio / Lustrando nuestras armas, viviendo en casas prefabricadas»). Y luego, con una lucidez brutal: “We built this house on bones and called it freedom” «Construimos esta casa sobre huesos y la llamamos libertad» Aquí McMurtry apunta directo a la raíz.

“Sailing Away” flota con un vaivén melancólico. El órgano regresa, envolvente, y la percusión va marcando el vaivén. Es el retrato del músico errante, emocionalmente extraviado. McMurtry se balancea en su propia deriva: “I can’t find my way back home / I’ve been gone too long” «No puedo encontrar el camino de regreso a casa / He estado fuera demasiado tiempo». Y con una imagen que resume el desarraigo: “The map don’t match the road, but we drive it anyway” «El mapa no coincide con la carretera, pero igual la recorremos»

El disco cierra con “Broken Freedom Song”, versión de Kris Kristofferson que McMurtry interpreta con reverencia, como quien baja el telón sin necesidad de una moraleja. Lo hace con guitarra acústica, voz baja y los coros serenos de BettySoo. No hay épica en la despedida, solo un susurro que deja eco: “Freedom’s just another word for nothing left to lose” «La libertad es solo otra palabra para no tener nada que perder». Y el adiós, sencillo y humano, queda en manos del oyente: “If I don’t make it back, sing this like it’s yours” «Si no regreso, canta esto como si fuera tuyo».

Das Album The Black Dog & The Wandering Boy (2025) no se limita a ser escuchado, se experimenta. Es una obra que requiere atención, cuya voz, aunque no se impone, resuena mucho tiempo después de su final. En una era saturada de ruido, James McMurtry se erige como un símbolo de resistencia.

Roxana Amed – “Todos los fuegos” (Sugerencias de escucha · 2025)

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Roxana Amed – “Todos los fuegos” (2025)

Este álbum merece estar entre las sugerencias de escucha · 2025 por su extraordinaria capacidad de unir lo poético con lo musical desde una perspectiva profundamente latinoamericana y contemporánea. Con Todos los fuegos, Roxana Amed ofrece una obra que navega entre el jazz, la canción de autor y la música experimental, explorando la intensidad emocional del fuego en sus múltiples formas: el deseo, la memoria, la pérdida, la creación. Una propuesta vocal y compositiva que arde con sensibilidad e inteligencia sonora.

Roxana amed: Stimme und Komposition; Martin Bejerano: Synthesizer und Arrangements von “Corazón delator” und “Ciudad de pobres corazones”; Leo Genovese: Klavier, Synthesizer, Kotflügel Rhodes und Arrangements; Tim Lefebvre: Elektrischer Bass; Kenny Wollesen: Batterie; Mark klein: Saxophone, Klarinette, Arrangements von “Verbo carne”; Joseph Monticello: Flöte; Aaron Lebos: E -Gitarre; Samuel Torres: Percussion.

01. Salir de la melancolía (Charly García, “Peperina” Serú Girán. 1981) 02. Cinema verité (Charly García ,“Peperina” Serú Girán. 1981) 03. Asilo en tu corazón (Luis Alberto Spinetta, de “La la la” Spinetta-Páez. 1986) 04. Vida siempre (Luis Alberto Spinetta y Leo Sujatovich, “Bajo Belgrano” Spinetta Jade. 1983)05. Corazón delator (Gustavo Cerati , “Doble Vida” Soda Stereo. 1989).

06. Ciudad de pobres corazones (Fito Páez, “Ciudad de pobres corazones”. 1987) 07. La sed verdadera (Luis Alberto Spinetta, “Artaud” Pescado Rabioso. 1973) 08. Dejaste ver tu corazón (Fito Páez, “La la la” Spinetta-Páez. 1986) 09. Verbo carne (Gustavo Cerati, “Bocanada”. 1999) 10. Diamonds (Leo Genovese y Roxana Amed. 2024).

Roxana amed Es hat sich als prominente Figur in der argentinischen Musik etabliert. Dieser 1963 in Buenos Aires geborene talentierte Sänger, Komponist, Produzent und Lehrer hat einen Meilenstein in der Musikindustrie markiert. Nach seiner Ausbildung am National Conservatory of Music und seiner Spezialisierung in lyrischem Lied, Liebe se destacó como cantante de jazz en los años noventa.

En 2004, presentó su álbum debut, “Limbo”, die ein Lied von enthielt Luis Alberto Spinetta. In jüngerer Zeit hat er sein neuestes Album dafür gewidmet, den renommierten argentinischen Rocksänger -Songwritern zu würdigen, einschließlich Spinetta. Seit 2013 wohnt in den USA, wo er mit prominenten Jazzmusiker zusammenarbeitet und seit 2018 Musik an der Universität von Miami unterrichtet. Seine jüngsten Werke wurden für den Grammy nominiert und haben mehrere Auszeichnungen erhalten.

Roxana Er bewegt sich von herkömmlicher Musik weg und richtet sich jedes Projekt von einer einzigartigen Optik an. Seine Arbeit “Los trabajos y las noches”im Jahr 2023 in Zusammenarbeit mit Frank Calberg Zum Klavier hebt er durch seine Kühnheit hervor, die Gedichte der anerkannten neu zu interpretieren Alejandra Pizarnik.

En su más reciente proyecto, lanzado el 23 de mayo de 2025, “Todos los fuegos”Überraschen Sie erneut, wenn Sie Jazz und Rock kombinieren und vier argentinischen Rocklegenden Tribut zollen: Charly Garcia. Luis Alberto Spinetta. Fito Páez und Gustavo Cerati. Dieses Album enthält auch die Teilnahme herausragender Musiker wie Leo Genovese. Mark klein. Tim Lefebvre. Kenny Wollesen und Martin Bejeranounter anderem.

Roxana Er teilt mit, dass er in Betracht gezogen hatte, anerkannten argentinischen Komponisten und Rocksängern ein Album zu widmen, seit er aufgewachsen ist und solche Musik hört. Aus seinem ersten Album enthielt er einige lose Songs dieser Künstler. Das Gefühl, dass seine Stimme immer noch intakt ist und sein Geist perfekt funktioniert, Roxana consideró que era el momento adecuado para embarcarse en este nuevo y ambicioso proyecto, buscando dar a conocer la música de estos iconos argentinos al mundo.

Dado que la integración en el ámbito del jazz es complicada para los artistas extranjeros en Estados Unidos, su propuesta de presentar el rock argentino con una base jazzística ha despertado el interés de músicos estadounidenses, ofreciendo una nueva forma de conexión cultural. La colaboración de Leo Genovese, herausragender argentinischer Pianisten und Komponist mit Sitz in New York, und gewohnheitsmäßiger Begleiter von Hoffe SpaldingEs war entscheidend.

Obwohl der Disc -Titel an senden kann Cortázar und seine Arbeit “Todos los fuegos el fuego”. Roxana Er bestätigt, dass er es gewählt hat, weil das Feuer ein grundlegendes Element darstellt, das beginnt und zerstört und sowohl Vitalität als auch Leidenschaft im Leben symbolisiert.

Roxana ha buscado resaltar las intrincadas estructuras de las canciones originales, las cuales presentan diversos cambios que evidencian la maestría compositiva de estos destacados cantautores. Su desafío consistía en preservar el espíritu de las melodías, aportando una perspectiva nueva y original, todo ello enmarcado en una base jazzística. Por esta razón, las canciones oscilan entre el jazz-rock y el jazz contemporáneo.

Para la ocasión, hay una canción en el disco, “Diamonds”, zusammengesetzt aus Roxana und Leo Genovese. Für RoxanaDer Diamant symbolisiert den Transformationsprozess, der in jedem neuen Projekt ausfällt, um ihn zu verfeinern und zu perfektionieren, bis es eine brillante und erneute Arbeit hat.

Die genaue Wahl der Musiker, die den Sänger begleiten, der umfangreiche Erfahrungen im Jazz -Experimentieren verfügt, ist bemerkenswert. Die Interpretation von Roxana es verdaderamente impresionante; cada pieza es abordada con un rigor y un entusiasmo genuinos.

Su voz en castellano resuena de manera excepcional. Además, es sorprendente que el álbum se haya grabado en tan solo dos días en diciembre de 2024, sin ensayos previos, y que se haya completado con una jornada adicional en enero de 2025. El resultado final es realmente impactante. No se lo pierdan.

Paul Armfield – “Between the Covers” (Sugerencias de escucha · 2025)

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Paul Armfield – “Between the Covers” (2025)

Este álbum se suma a las sugerencias de escucha · 2025 por sus composiciones originales llenas de intimismo y lirismo, entrelazadas con algunas versiones que dialogan desde lo emocional. Paul Armfield ofrece un universo sonoro cálido, introspectivo y profundamente personal.

Paul Armfield: Gesang, Akustikgitarre; Max Braun: Bass, Akustikgitarre, Orgel, Backing -Vocals; Uwe Shenk: Klavier; Torsten Krill: Schlagzeug; Jo Ambros: E -Gitarre, Orgel; Mari Persen: Geigen

Paul Armfield Er ist Komponist, Sänger -Songwriter und Instrumentalistin aus Birmingham, dessen Karriere 2003 begann. Seit den 1990er Jahren lebt er auf der Insel Wight, wo er eine Familie gegründet hat, verkauft Bücher und schafft Musik. Während er tagsüber seine Buchhandlung leitete, arbeitete er nachts an seinen Alben. Im Mai dieses Jahres sind seine literarischen und musikalischen Leidenschaften mit dem Start ihres neuen Albums verflochten Zwischen den Covers: 9 Songs für Bibliophile, que incluye nueve canciones dedicadas a la literatura, de las cuales cuatro son versiones y cinco originales.

El álbum fue grabado en Stuttgart durante cuatro días en agosto del año pasado, con la colaboración de músicos de jazz experimentados. Para promocionar su trabajo, Paul Es wird eine zweimonatige Solo -Tour durch das Vereinigte Königreich und Europa machen und nach Möglichkeit in Bibliotheken und literarischen Festivals handeln.

El disco comienza con 1. Sie können das Buch nicht nach dem Cover beurteileneine Komposition von Willie Dixon populalisiert von Bo DiddleyDas überrascht mit seiner einfachen Batterie, der Gitarre von intensivem Tremolo und einem subtilen Klavier. Der Chor erinnert uns an die Wichtigkeit, sich nicht vorzuurteilen: “No puedes juzgar una manzana mirando un árbol. / No puedes juzgar la miel mirando la abeja. / No puedes juzgar a una hija mirando a la madre. / No puedes juzgar un libro mirando la portada”.

2. Die Bücher neben meinem Bett Es ist mein Lieblingslied. Es ist ein dynamisches Lied, in dem Paul Er liebt das Dilemma, verliebte Liebhaber zu lesen: die ständige Ansammlung von Büchern, die auf dem Nachttisch lesen können. Dieses Phänomen führt zu einem Stapel, der trotz unserer Bemühungen, es zu reduzieren, ununterbrochen zu wachsen scheint. Paul Kommentar: «Es verbringt fast keinen Tag ohne mindestens einen Kunden, vermutlich die Größe ihrer ausstehenden Bücher; Es ist wie eine Ehrenmedaille ».

Finalmente, el cantautor cierra la canción con una observación aguda sobre esta realidad, dejando al oyente con una mezcla de sonrisa y resignación ante la interminable búsqueda de tiempo para leer: “No reduciré esas torres / Con solo unas cuantas horas de vigilia / Si leyera hasta morir / Y luego siguiera leyendo / Aun así, nunca habría leído / La mitad de los libros junto a mi cama”.

3. Lesezeichen Es besteht aus Paul y es una canción nostálgica en la que evoca nuestros primeros encuentros con la lectura desde la infancia hasta la adolescencia tardía. Estas experiencias formativas han dejado una huella indeleble en nuestra memoria, moldeando nuestra relación con los libros y la literatura.

Se hace alusión también a los marcadores que utilizamos en los libros para identificar el punto en el que dejamos las lecturas: “Nos aferramos a cuentos y aventuras / a los escritos que resuenan / y nos conducen hasta aquí / Nos aferramos y marcamos las páginas / donde nos encontramos / para que sepamos que esto está aquí”.

4. Taschenbuch Es besteht aus Paul. Es bezieht sich auf diese überliegenden Biografien, die mit der gleichen Leichtigkeit gelesen werden, die verworfen werden und in den Balance -Schubladen enden. Termin a David Niven. Der James und Dan Brown. La canción culmina de manera irónica al referirse al derroche de papel en libros que son desechados con la misma rapidez con la que son consumidos.

Es una canción delicada, mi segunda canción preferida, en la que destaca el trabajo de cuerdas de Mari Persen: “En cada venta de maletero de coche y caja de ofertas / Somos E.L. James, Dan Brown, David Niven y nosotros / Solo en libro de bolsillo / Qué desperdicio de buen papel / Libro de bolsillo”.

5. Jeden Tag schreibe ich das Buch Es ist eine Komposition von Elvis Costello. Paul rinde tributo al músico británico con una interpretación que comienza de manera íntima, donde solo él acompaña su voz con la guitarra. A medida que avanza la canción, se incorporan otros instrumentos, enriqueciendo la versión.

Es una excelente adaptación que destaca por su emotividad y profundidad: “Te miro con anhelo / Todos los días escribo el libro. // Capítulo uno: No nos llevábamos bien / Capítulo dos: Creo que me enamoré de ti / Dijiste que me apoyarías a mitad del capítulo tres / Pero ya estabas haciendo las cosas como siempre en los capítulos cuatro, /cinco y seis”.

6. Bücher über UFOs Es ist ein Lied der verstorbenen Gruppenbatterie Hüsker dü. Grant Hartund schaltet ein besessenes Mädchen mit dem äußeren Raum ein. Paul crea una atmósfera extraña que complementa la peculiaridad de la narrativa.

Además, se pueden percibir influencias del blues de los años cincuenta, lo que añade una capa de profundidad a la obra: “Caminando por una calle soleada hacia la biblioteca / Consultando los últimos libros sobre el espacio exterior / Yendo al puesto de frutas a comprar una docena de naranjas / Luego, ella, los libros y las naranjas vuelven a su casa”.

7. Drehen Sie die Seite Es ist eine Komposition von Paul que, en cierta medida, mantiene la atmósfera peculiar de su canción anterior, aunque con un enfoque más íntimo gracias a la inclusión del piano.

La narrativa se centra en la experiencia sensorial de oler, leer y pasar las páginas de un libro: “El roce del índice y el pulgar, pasa la página / No tan húmedo como para un sello, pasa la página / La cuidadosa separación de cada hoja / Levantándose lentamente del fajo / De la mano derecha a la izquierda / Pasa la página”.

8. Mein Bücherwurm Es ist eine neue Arbeit von Paul que narra una historia de amor desenfadada y profundamente humana entre dos apasionados de la lectura.

Se destaca notablemente el apoyo brindado por los músicos, así como los arreglos de cuerdas realizados por Mari Persen: “Anotando suavemente mis errores / Con lápiz azul tus enmiendas / Una leve nota en el margen, amistosa, suavemente burlona / Escribes ‘otra para añadir a tu apéndice’ / Eres central en la trama / El principal interés romántico / Estás ahí en todo momento / Para bien o para mal / En cada capítulo y verso // Mi ratón de biblioteca, mi ratón de biblioteca”.

9. Ich könnte ein Buch schreiben Es ist das Schlusslied. Eine Komposition von Rogers und Hart, was interpretiert wurde von Sinatra Im Film “Pal Joey”. Die Interpretation von Paul Es ist besonders empfindlich und erfasst die emotionale Essenz des Stücks (Hinweis: Es wird nicht auf YouTube gefunden. Wenn Sie es sich anhören möchten, können Sie es tun Bandcamp, hier).

La letra completa: “Si me preguntaran, podría escribir un libro / Sobre tu forma de caminar, susurrar y mirar / Podría escribir un prefacio sobre cómo nos conocimos / Para que el mundo nunca lo olvide // Y el simple secreto de la trama / Es solo decirte que te quiero mucho / Entonces el mundo descubre, al terminar mi libro, / Cómo hacer que dos amantes se conviertan en amigos”.

Un destacado trabajo de un cantante que posee una voz profunda y cálida, que por fin ha logrado plasmar en una sola obra sus dos grandes pasiones: la música y la literatura.

Kassi Valazza – “From Newman Street” (Sugerencias de escucha · 2025)

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Kassi Valazza – “From Newman Street” (2025)

Este disco entra con fuerza en las sugerencias de escucha · 2025 gracias a su mezcla de psicodelia folk y narrativas poéticas que evocan paisajes del interior norteamericano — Kassi Valazza canta con una melancolía suave que transforma cada rincón de “Newman Street” en un universo íntimo y envolvente.

Kassi Valazza: Gesang, Akustikgitarre; Lewi Longmire: E -Gitarre, 12 -String -Gitarre, Geige; Sydney Nash: Organ, Vibraphon, Bass; Berblinger Tobias: Rhodes, Organ, Mellotron, Bass, Roland Space Echo; Erik Clampitt: Pedalstahlgitarre; Ned Folkerth: Schlagzeug, Percussion; Camille Weatherford: Vokal -Backing; Casey Jane Reece-Kaigler: Vokal -Backing

KassiAuf Ihrer persönlichen Seite teilen Sie relevante Informationen über Ihre Persönlichkeit und Ihre Karriere als Komponist und Dolmetscher. Er wuchs zwischen Prescott und Phoenix, Arizona. Er sah sich am Anfang einer intensiven landschaftlichen Angst ausgesetzt. Sein Umzug nach Portland markierte ein neues Kapitel in seinem Leben und seine Musik, in der er Unterstützung erhielt Zach Bryson und andere Mitarbeiter, die in der Schaffung ihres ersten Albums gipfelte, Liebe tote Tage (2019). Im Jahr 2023 veröffentlichte er sein zweites Album, Kassi Valazza weiß nichts, una obra destacada de folk introspectivo.

Después de diez años en Portland, Kassi Es scheint eine Kleidung und sein drittes Album zu haben, und sein drittes Album. Von der Newman Street (2025), refleja tanto su experiencia en la ciudad como su anhelo por un nuevo destino, como lo es Nueva Orleans. Y es que unas canciones están compuestas en Portland y otras en New Orleans.

Hay que resaltar la faceta compositora y letrista de KassiEs ist also relevant, Ihre Briefe sorgfältig zu analysieren. Unser Sänger -Songwriter findet seine Inspiration in zwei Musikikonen: Joni Mitchell und Sandy Denny, was seinen Wunsch widerspiegelt, in seine Arbeit eine Tiefe sowohl in Zusammensetzung als auch in Interpretation zu infundieren.

Was das Album selbst in dem ersten Song betrifft 1. Bessere AutobahnenObwohl immer noch in seiner Wohnung in Portland zusammengesetzt, beginnt die Idee der Bewegung zu glänzen: “Contando con esas mejores carreteras / Para traerte todo lo que necesitas / El peso que cargabas sobre tus hombros / Es difícil de afrontar y es ensordecedor”.

2. Vögel fliegen. Kassi, kommentierte, dass nach dem Covid viele Menschen tranken und an Fentanylüberdosis sterben und sie in ihrem Keller versteckte, wusste, dass Menschen, die liebten, starben: “Los pájaros vuelan alto / Sus colas negras / Sobre velas blancas / ¿Por qué pienso en ti? / Cuando estoy triste // Esperando una llamada / Luchando contra el sueño con fentanilo / No puedes conducir de vuelta a casa / El sol te da en la cara / Otra habitación, otro lugar / Es tan agradable tener una cama / Y ver crecer los árboles”.

3. Schatten von latly bezieht sich auf ihre Freundin Boramie Sao, artista camboyana-estadounidense. Ella se marchó de Portland y Kassi lo acusó, planteándose ella también la salida de Portland:

“Por la ventanilla del coche / Por el parque de Saint Johns / conduciendo despacio, por una sensación / No recuerdo bien / en qué dirección girar / Todas las farolas están ensombrecidas / por los árboles en la acera / Bo consiguió un trabajo en Nuevo México / pintando cuadros, durmiendo mejor / Y ahora me pregunto / adónde debería ir / Toda esta capa de nubes / hace que el tiempo pase tan lento”.

El melotrón y la pedal steel crean una atmósfera encantadora.

4. Zeit ist rund Es besteht bereits aus New Orleans. ZU Kassi Es ist schwierig, sich an eine laute und animierte Stadt anzupassen, da sie introvertiert ist: “¿Dejaría de nombrar / las cosas que me excitan? / ¿Estoy transmitiendo / que mis sueños de juventud se han ido? / ¿O soy perenne? // Me siento como una anciana estos días”.

5. Rollen reafirma su decisión de caminar hacia adelante y dejar una ciudad y olvidar un amor: “Ya lo he decidido, / siento que sí, / y si siento que sí, / intentaré seguir adelante”.

6. Dein Herz ist eine Blechbox, ist in New Orleans geschrieben, und die Dinge scheinen Portland gleich zu bleiben: “Me mudé a Nueva Orleans / Pensando que el amor reaparecería / Pero la gente te lo dice todo / menos lo que quieres oír”.

7. Kleine Dinge Es ist eine Art Gedicht von Kassi Valazza: “Pequeñas cosas se han reunido a mi alrededor / y en la noche han crecido / Iluminan tus sentidos / y te llevan a donde quieres ir”. Es ist einer der Songs, die mir am besten gefällt, mit diesem Hintergrund -Organ -Sound und der melancholischen Stimme von Kassi ¡cantando tan bien!

8. Market Street Saviour, sprechen Sie über einen Familienplatz zu Kassi, wer fühlt sich jetzt weit: “Estoy sentada junto a esa vía férrea / que baja junto al agua / transportando gente con rostros lejanos // Con sus bolsas de compra / desde sus lugares de la zona alta // En Market Street / los coches avanzan rápido / y las espadañas cubren viejos dibujos”.

9. Radgewicht Es ist das Lied, in dem alles beginnt. Seine Routine in Portland und die Notwendigkeit, mit all dem zu brechen: “Siento como una especie de lucha por soltarme / Es el peso de la rueda / cayendo, o eso me han dicho / Siento como una especie de lucha por superar / la forma en que temo reducir la velocidad antes de envejecer”. Er kam als Single heraus und ist mein anderer Lieblingslied mit der Hintergrundorgan und dem Stahlpedal, das die träge Stimme von wickelt Valazza.

10. Von der Newman Street cierra el disco y da nombre al disco. Kassi la interpreta con su guitarra, y es una composición nacida de la tristeza por la ausencia de un amigo.

La letra refleja sus sentimientos, deseándole lo mejor desde la calle Newman y preguntando sobre el clima en alta mar, mientras se encuentra sentada sola, tratando de mantener el control de la situación: “Wishing you well / From Newman street / How is the weather on the open sea / Now I sit here all alone / Keeping control” (“Te deseo lo mejor / Desde la calle Newman / ¿Cómo está el clima en alta mar? / Ahora estoy sentado aquí solo / Manteniendo el control”.).

Dos de los referentes de Kassiwie gesagt, sie sind es Joni Mitchell und Sandy Dennyfast nichts; Und auf dem Album ist sein Geist in gewisser Weise präsent. Das Album präsentiert a intimer Ansatz, mit einer Neigung zum Volk als zum Land, aunque la inclusión de la pedal steel y la lap steel añade matices característicos de este último género.

Es un trabajo excepcional, y resulta interesante que, al menos en mi opinión, mis dos canciones favoritas se encuentren en lo que podríamos considerar la cara B, sin restar valor a las demás, porque el nivel general es muy alto. Kassi menciona que esta disposición fue intencionada, ya que busca que los oyentes escuchen el disco completo, en lugar de limitarse a las primeras pistas, una tendencia común en la actualidad.

Por otra parte, en una reciente entrevista, La cantautora reveló que planea mudarse a Nashville con su novio después del verano, tras haber pasado un tiempo en Portland y con una estancia breve en Nueva Orleans. Es posible que este cambio le brinde una mayor estabilidad y que, manteniendo la calidad habitual, se traduzca en letras que eviten tantos sinsabores.

Sin embargo, como todos sabemos, la vida siempre presenta una combinación de alegrías y tristezas. De hecho, como se ha evidenciado en el presente álbum, a menudo Die besten Kompositionen entstehen aus Traurigkeit.

Clara Montes – “Marinera en tierra” (Sugerencias de escucha · 2025)

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Clara Montes – “Marinera en tierra” (2025)

Este trabajo se suma con elegancia a las sugerencias de escucha · 2025 por su capacidad de unir la poesía de Rafael Alberti con la sensibilidad sonora de Clara Montes. Marinera en tierra es mucho más que una musicalización de versos: es una inmersión lírica en el universo marinero, amoroso y nostálgico del poeta gaditano. Las composiciones revelan una profunda conexión emocional entre palabra y melodía, con arreglos que entrelazan el flamenco, la canción de autor y elementos mediterráneos. Montes canta con respeto y alma, convirtiendo cada poema en una embarcación sonora que navega por aguas íntimas y universales.

Clara Montes: Konzept, literarische Dokumentation, Komposition, musikalische Richtung und Interpretation; Chamo Díaz: Musikalische Arrangements und Klavier; Kiriko Gutiérrez: Doppelbass; Pablo Domínguez: Gitarre; Malick Mbangue Arroyo: Percussion.

Der in Cádiz ansässige Sänger, Clara Monteshat eine umfangreiche musikalische Karriere. Ihre Anfänge beinhalten Kooperationen mit Amancio Prada Auf der Scheibe “Emboscados” und Carlos Cano in “Diván del Tamarit”, wo Texte von Federico García Lorca. Dieser letzte Job enthüllt Ihre Neigung für Gedichte -basierende Songs, ein Trend, der mit seinem Debüt im Jahr 1998 mit dem Album konsolidiert wird “Canta a Antonio Gala”, was eigene Verse präsentiert Galaveranstaltung.

A lo largo de su carrera, ha realizado diversos proyectos. Por resumir, se debe mencionar el álbum “A manos llenas” 2009 eine Hommage an die Couplets von Rafael de Leónund im Jahr 2013 die Rückkehr zu seinem Fetisch -Dichter, Antonio GalaMit “Vuelvo a Antonio Gala”. 2017 seine Arbeit “Los amores oscuros” Entdecken Sie Lorcas letzte Liebe.

Recientemente, Klar gestartet “De Gala 25 Años y ++”, conmemorando el 25 aniversario de su primer disco dedicado al poeta cordobés.

Actualmente, se adentra en la poesía de Rafael Albertiein Interesse, das nach einer Einladung von der entstand Rafael Alberti Foundation, wo er ein Gedicht von Capela spielte. Obwohl ich schon gelesen hatte Albertiihre Neugier führte sie, ihr Leben und ihre Arbeit zu vertiefen, insbesondere anlässlich des 100. Jahrestages von "Seemann an Land", ein Gedichte, das 1924 veröffentlicht wurde, das ihm die einbrachte Nationaler Gedichtpreis en 1925.

Klar Nicht nur seine berühmtesten Gedichte musikalisieren, sondern auch Verse seiner letzten Gedichte enthält. “Canciones para Altair” (1983-1988) sowie einige unveröffentlichte Gedichte, denen er dank der Zugang zu dem Zugang hatte Stiftung und die Witwe des Dichters, María Asunción Mateo.

Desgloso die Songs, in denen ich einige Verse jedes Gedichts oder ein komplettes Gedicht aufnehme:

1. Te fuiste marinerito. Entspricht dem Gedicht "Elegie des Seemannskindes"der Gedichte "Seemann an Land". Alberti widmet es Manuel, Sohn des Herausgebers José Ruiz-Castillo. KlarIn ihren Konzerten widmet er es Pablo Domínguez, quien aportó su saber hacer a la guitarra, en el disco, pero que desgraciadamente falleció poco después de terminarlo:

“Te fuiste, marinerito, / en una noche lunada, / ¡tan alegre, tan bonito, / cantando, a la mar salada! // ¡Qué humilde estaba la mar! / ¡Él cómo la gobernaba! / Tan dulce era su cantar, / que el aire se enajenaba”.

2. betrunken der Liebe ist ein Gedicht von “Canciones para Altair”. Altair Es ist der poetische Name, den Alberti gab seine Frau María Asunción Mateo: “Ebria de amor y música celeste / bajó Altair, aquella amante noche, / de su constelación, / volviendo de la tierra / embriagada de amor, de música y de vino”.

3. Miramelindo entspricht dem Gedicht "Miramelindo Liebe"von "Seemann an Land": “¡Ay miramelindo, mira / qué estrellita tan galana, / suspira que te suspira, / peinándose a la ventana!”.

4. Mein Liebhaber und Geliebte Es entspricht zwei Gedichten mit demselben Titel: "Mein Liebhaber"von "Seemann an Land": “Mi amante lleva grabado, / en el empeine del pie, / el nombre de su adorado”. Und die Verse des anderen Gedichts: “Amada de metal fino, / de los más finos cristales // —¿Quién la despertará? // —El aire, / sólo el aire”.

5. Erinnere dich an mich auf hoher See ist ein Gedicht von "Seemann an Land": “Recuérdame en alta mar, / amiga, cuando te vayas / y no vuelvas. // Cuando la tormenta, amiga, / clave un rejón en la vela”.

6. Du weißt so viel über mich Es ist ein beispielloses Gedicht, das seiner Frau gewidmet ist María Asunción Mateo: “Sabes tanto de mí, que yo mismo quisiera / repetir con tus labios mi propia poesía, / elegir un pasaje de mi vida primera: / un cometa en la playa, peinado por Sofía”.

7. Sevillanas del Levante Es ist ein glückliches unveröffentlichtes Gedicht, das María Asunción Er fand unter seinen Papieren, geschrieben an den Stift: ” Cuando sube el Levante de la bahía / el mar se vuelve loco por alegrías. / Las gaditanas, / locas por los balcones y las ventanas / Viva mi amante / porque se ha vuelto loco con el Levante. / Cuando el Levante asalta la azotea / corren las ropas tendías a la pelea / mira que risa, / ver mi blusa luchando con tu camisa” .

8. Schwarze Blume und der Storch Sie sind zwei Kindermädchen, die zwei Gedichten von entsprechen "Seemann an Land": “Ya la flor de la noche / duerme la nana, / con la frente caída / y las alas plegadas”. Volles Gedicht von Der Storch: “Que no me digan a mí / que el canto de la cigüeña / no es bueno para dormir. // Si la cigüeñita canta / arriba en el campanario, / que no me digan a mí / que no es del cielo su canto”.

9. Ja meine Stimme Es ist ein Gedicht, das dem Komponisten gewidmet ist Rodolfo Halffter und gehört zu "Seemann an Land". Incluyo el poema completo: “Si mi voz muriera en tierra, / llevadla al nivel del mar / y dejadla en la ribera. // Llevadla al nivel del mar / y nombradla capitana / de un blanco bajel de guerra. // ¡Oh mi voz condecorada / con la insignia marinera: / sobre el corazón un ancla, / sobre el corazón un ancla, / y sobre la estrella el viento, / y sobre el viento la vela!”.

Was die Musik selbst betrifft, können Sie a sehen überaus Flamenco -Basis, aber von dort werden wir haben Coplas. Freuden. Rumbas. Sevillanas. Habaneras und Rhythmen von Lateinischer Jazz. Wie erwähnt Klar. Alberti Er hatte die Gelegenheit, sowohl in Cádiz als auch in Südamerika zu leben, was dies beeinflusst Musikalische Vielfalt.

Los músicos elegidos por Klarzeugen Sie ihre große Professionalität, kümmert sich um jedes Detail und wickeln Sie die Stimme der Sängerin, die für sie auffällt, bequem ein Tolle Gesangsfähigkeit. Su interpretación es un verdadero deleite.

Esperamos que se sigan produciendo más proyectos que fusionen poesía y música de esta manera. Sería un placer ver a Klar Nehmen Sie in naher Zukunft erneut an einen anderen Dichter an.

Shapes Like People – “Ticking Haze” (Sugerencias de escucha · 2025)

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Shapes Like People – “Ticking Haze” (2025)

Un gran trabajo a dos voces que merece integrarse en las sugerencias de escucha · 2025 por su exploración onírica de la identidad a través de texturas sonoras densas y paisajes emocionales difusos. Ticking Haze, de Shapes Like People, propone una estética híbrida que convoca elementos del ambient, el post-rock y la electrónica introspectiva, todo envuelto en una atmósfera de tiempo suspendido. Con capas sonoras que se desvanecen como niebla y pulsos que recuerdan al latido interno, el disco funciona como una experiencia sensorial que interpela tanto lo íntimo como lo colectivo.

1. Ehrgeiz ist Ihr Freund. 2. Nie den Ansprecher ausschneiden 3. Eine neue Krone.

Kat Mann: Hauptstimme, Akustikgitarre; Carl Mann: Stimmen, andere Instrumente, Komposition, Mischung, Produktion.

Was für ein schönes Paar. Ehe gebildet von Carl Mann und Kat Mann Er hat fast zufällig ein beeindruckendes Album geschaffen. Kat, der zuvor als Sänger in den Albumchöre zusammengearbeitet hatte “Daysdream” von Das Schaufenster, das andere Projekt von CarlJetzt scheint es der Hauptsänger des Duos Formen wie Menschen.

Su disfrute es palpable, como se puede apreciar en su primer video de la canción “Ambition is your friend”, das erinnert an den Stil von Remsowie im Video seines dritten Themas, “A New Crown”, wo die schönen Ausdrücke von Kat Sie sind unwiderstehlich. Seine Musik, ein brillanter Pop mit kristallinen Stimmen und Gitarren, lädt immer wieder ein, immer wieder zu hören.

Der britische Musiker Carl Mann Er leitet sein Projekt Das Schaufenster. In seinem herausragenden 2024 -Album mit dem Titel " “Daysdream”, seine neozige Frau, Kat, trug einige Chöre bei. Carl Er hatte mehrere Songs komponiert, die nicht zum Stil seiner Band passen, und brauchte eine weibliche Hauptstimme Kat a participar.

A pesar de sus dudas sobre si su voz sería la adecuada y de ser consciente de la meticulosidad y exigencia de Carl In den Aufnahmen motivierte er sie, sich dem Projekt anzuschließen. Als sie zusammen arbeiteten, Carl begann, eine wachsende Emotion für das Ergebnis zu erleben Kat Er fühlte sich dabei immer wohler.

Im Album selbst ist Musik nicht nur für seine Melodie wichtig, sondern auch unerlässlich “Ambition is Your Friend”, was sich mit der Notwendigkeit befasst, eine Vergangenheit hinter sich zu lassen und nach einer vielversprechenderen Zukunft zu suchen: “Todo lo que quiero hacer es elegir el camino por delante”.

En “Never Cut Asunder”Die Wichtigkeit, dem Paar in schwierigen Zeiten zu vertrauen, wird mit Versen betont, die darauf hindeuten, dass sie Erfahrungen ausgetauscht haben: “Historias aún no contadas / Sobre tu vida / ¿No las compartirías conmigo? / Aliviaremos la tensión / La rutina diaria / Si compartes conmigo”.

Por otro lado, “A New Crown” Es ist ein schönes Lied, das bei der Beobachtung seines offiziellen Videos die Verbindung von Ehe und Freude enthüllt, das Kat Erfahrung zu dieser Zeit. Sein Inhalt spiegelt den Wunsch wider, das urbane Leben auf der Suche nach einer ländlichen Umgebung zurückzulassen, eine Realität, die sich im Leben von manifestiert Carl und Kat, die sich entschlossen haben, in eine natürliche Umgebung zu ziehen in Wiltshire: “He estado en el humo de la ciudad. / Tuve que irme antes de ahogarme. / Quiero la sombra de un viejo castaño”.

En “Weathering”Das Thema dreht sich um die Notwendigkeit, die Barrieren abzureißen, die uns fest einschränken: “Si pudieras verme ahora / Derribando los muros del hombre del espacio exterior / Capeando la tormenta / Apareciendo sonriendo y quitando los frenos”.

“Don’t Hear Your Footsteps” Es geht um die Schwierigkeiten in der Liebe: “No oigo tus pasos siguiéndome ahora / Ni un alma a la vista / Me siento tan mareado, tiempo para mí ahora / El amor no es fácil”.

“Head Spun”, ein aufschlussreiches Lied von Brilliant Pop mit Pfeifen spricht das Thema persönlicher Verbesserung an. Wie ist “Weathering”Es spiegelt auch die Bedeutung der Bestimmung auf dem Weg zu Wachstum und Belastbarkeit wider: “El sol brilla sobre ti hoy / No dejes que la oscuridad se apodere de ti”.

“When the Radio Plays” Es ist ein lebendiges Stück, ein Pop voller Energie: “Voy a bailar toda la noche / Cuando la radio ponga tu canción favorita / Bailaré toda la noche / Cuando la radio ponga tu canción favorita”. En la canción

“Server of the Mind”Es ist wieder, sich der Gegenwart zu stellen und zu versuchen, die Schwierigkeiten der Vergangenheit zu vergessen: “Todos los ayeres aún intentan atormentar el hoy / Se olvidaron de mencionar al servidor de la mente”.

“Fireworks” Es konzentriert sich auf die Liebe und Relevanz der gegenseitigen Unterstützung in einer Beziehung: “Fuegos artificiales, no queméis mi frágil corazón”.

“The Ship is Soon to Sail”unterstreicht mit seiner Landklemme die Relevanz, sich in neue Erfahrungen zu wagen und Risiken zu übernehmen, wie sie es tun Carl und Kat In Ihrem neuen Projekt: “Cambiar los días puede ser algo muy bueno. / No tengas miedo de probar algo nuevo. / La vida es demasiado corta para repetirte. / Quien no arriesga, no gana”.

Por otro lado, “Cry” Es ist eine schöne Ballade der Liebe, die Verwundbarkeit ausdrückt: “No llores cuando te cuento mis pensamientos / Solo el tiempo dirá si tu corazón es fuerte / No me des la espalda / Cuando te amo”.

El álbum culmina con “World Keeps Spinning”, una canción que invita a dejar atrás el pasado y a mantener la esperanza en el futuro, recordando que:

“La vida no siempre será fácil / Un tiovivo en tu cabeza / Hay momentos en los que querrás tirar la toalla / No te rindas, el camino es largo // El mundo sigue girando / La noche sigue cayendo / El amor brilla en tus ojos / El día sigue llegando / La vida sigue dando / El futuro está listo para escribirse”.

Durante la grabación de las demos, Kat Er perfektionierte seine Stimme und mit Hilfe von CarlEr schaffte es, sein wahres Potenzial als Hauptsänger zu entdecken und ließ seine Rolle als Chorist zurück. Es ist wichtig, die Fähigkeit hervorzuheben Carl Die Stimme von zu verbessern Kat y la armonización de su doble voz, además de contribuir con su propia voz en los coros. Su destreza en la grabación de instrumentos y en la producción musical lo posiciona como un auténtico maestro en el arte de la música.

El resultado final es un álbum sobresaliente que evoca el estilo de Das Schaufenster, kombinieren Genres wie die Traumpop und Jangle Popmit hellen Pop -Melodien, die sowohl Hoffnung als auch Melancholie übertragen. In einigen Passagen können Sie Einflüsse von sehen Remwährend in anderen die bemerkenswerten erinnert werden Der Essex Green. Ein Album, das unser Vertrauen in authentische musikalische Vorschläge bewegt und erneuert.

Anouar Brahem – “After The Last Sky” (Sugerencias de escucha · 2025)

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Anouar Brahem – “After The Last Sky” (2025)

Este álbum se incorpora con distinción a las sugerencias de escucha · 2025 por su capacidad de entretejer lo íntimo y lo trascendente desde una visión sonora única. After The Last Sky es un viaje contemplativo que despliega el oud de Anouar Brahem como eje narrativo, acompañado por texturas minimalistas que evocan paisajes desérticos, silencios cargados y memorias ancestrales. Con una atmósfera que roza lo cinematográfico, Brahem trasciende géneros y fronteras para ofrecer una obra donde lo árabe, lo europeo y lo experimental conviven en armonía delicada.

Anouar Brahem: Arabische Laute; Anja Lechner: Cello; Django Bates: Klavier; Dave Holland: Doppelbass

01. Erinnern Sie sich nach dem letzten Himmel.

تضيق علينا الأرض محمود درويش (La tierra se estrecha para nosotros) Mahmud Darwish – Traducción del árabe: María Luisa Prieto:

La tierra se estrecha para nosotros.
Nos hacina en el último pasaje
y nos despojamos de nuestros miembros para pasar.

La tierra nos exprime.
¡Ah, si fuéramos su trigo para morir y renacer!
¡Ah, si fuera nuestra madre para apiadarse de nosotros!
¡Ah, si fuéramos imágenes de rocas
que nuestro sueño portara cual espejos!

Hemos visto los rostros
de los que matará el último de nosotros
en la última defensa del alma.

Hemos llorado el cumpleaños de sus hijos.
Y hemos visto los rostros
de los que arrojarán a nuestros hijos
por las ventanas de este último espacio.

Espejos que pulirá nuestra estrella.
¿Adónde iremos después de las últimas fronteras?
Wo werden die Vögel nach dem letzten Himmel fliegen?
¿Dónde dormirán las plantas después del último aire?

Escribiremos nuestros nombres
con vapor teñido de carmesí,
cortaremos la mano al canto
para que lo complete nuestra carne.

Aquí moriremos.
Aquí, en el último pasaje.
Aquí o ahí…
nuestra sangre plantará sus olivos.

Anouar Brahem Er wurde am 20. Oktober 1957 in Halfauine in der Medina von Tunesien geboren. Sein Vater, Handwerker und Drucker sowie der großartige Musikliebhaber fördern das BrahemMit 10 Jahren wird es in der Musik und in der Laute beginnen, in der Nationaler Musikkonservatorium von Tunesienin Begleitung des großen Lehrers Ali Sriti. Con 15 años tocó en varias orquestas.

Con 18 años, decidió dedicarse por completo a la música y regresó con Ali Sriti, der sich bemühte, ihn zu vermitteln, die subtile Kunst von Maqamat (Das komplizierte System der arabischen künstlerischen Musik) und die Taqsim. Neben seiner klassischen arabischen Erbschaft, auch sein Anouar Er erweiterte den musikalischen Horizont und bewegte seine Neugier von den Ufern des Mittelmeers in den Iran und Indien ... dann zum Jazz. Eine persönliche Reiseroute, in der er gesteht: “Disfruté del cambio de aires y descubrí los estrechos vínculos que hay entre toda esta música”.

1982 ließ er sich in Paris nieder. Dort blieb er vier Jahre, in denen er zusammenarbeitete Maurice Béjart Für dein BallettThalassa Mare Nostrumsowie mit Gabriel Yared als Solist für die Musik des FilmsHanna kvon Costa Gavras. Pero la mayor parte de su actividad se centró en la composición, especialmente para el cine y el teatro tunecinos. De vuelta a Túnez en 1985, continuó su investigación en composición.

En 1987 se trasladó definitivamente a Túnez y se le confió la dirección del Musikalisches Set der Stadt Tunesien. Die beiden KreationenLeïlatou Tayer(1988) undDer Hizam El Dhahabi(1990) stehen in der Linie ihrer ersten Kompositionen und markieren, was als Hauptachse ihrer Arbeit angesehen werden kann, ohne das Traditionelle aufzugeben, wird von dem Mittelmeer, Afrikaner, des Fernen Ostens, der europäischen Musik und des Jazz -Vererbes beeinflusst. MitRabe(1989) undAndalousïat(1990), Anouar Brahem volvió a la música artística tradicional.

Con Ennaoura El Achiqua(1987), der den vielseitigen und innovativen Charakter seiner Musik widerspiegelt, Brahem Er schlägt zum ersten Mal auf seiner Reiseroute ein Lied des Singens vor, die aus seiner Begegnung mit dem Dichter entstanden ist Ali Louati.

1990 beschloss er, die EMVT zu verlassen und flog in die USA und Kanada. Es war bei seiner Rückkehr von dieser Reise, als er sich traf Manfred Eicher, der Produzent des deutschen Plattenlabels ECM -Aufzeichnungen- aus der eine reiche Zusammenarbeit geboren wurde, die zweifellos eine wichtige Phase in seiner Arbeit markieren würde. Mit elf Alben im Auge, alle mit einem bemerkenswerten Empfang der internationalen Presse und der Öffentlichkeit zum Zeitpunkt der Veröffentlichung ist seine Diskographie einer der schönsten des ECM -Katalogs.

Ich werde mich nicht in der ECM -Diskographie ausdehnen, aber es ist wichtig, Ihr vorheriges Album 2017 zu weist. Blue MaqamsSeit den beiden britischen Musikern der Bassist Dave Holland und der Pianist Django BatesNehmen Sie erneut an ihrer jüngsten Arbeit teil. Die einzige Änderung der Ausrichtung ist der Ersatz des Schlagzeugers Jack Dejahnette Für den Cellisten Anja Lechner. Auf diese Weise sein neues Album, Nach dem letzten Himmel (2025), adquiere una nueva dimensión musical al prescindir de la batería, lo que permite que el violonchelo, junto con el laúd y el respaldo del piano y el contrabajo, generen unas emotivas piezas.

Der Titel des Albums stammt aus einem Vers des palästinensischen Dichters Mahmud Darwish: Wo werden die Vögel nach dem letzten Himmel fliegen?. Obwohl die Arbeit von Anouar reflektiert tief die Realität Palästinas, das Album wurde Monate vor den Angriffen von aufgenommen Hamas, der den Konflikt in Gaza verstärkte, der leider anhält.

Musikalisch bietet das Album einen subtilen Kamera -Jazz mit einem ausgeprägten arabischen Einfluss, der die Laute von hervorhebt Anouar Brahem. Anouar, der zuvor mit den anerkannten englischen Musikern am vorherigen Album gearbeitet hatte, Dave Holland (mit dem Sie mehr Zusammenarbeit haben) und Django Batesbeide Musiker in der neuen Arbeit wieder. Ein bemerkenswerter Aspekt dieses Albums ist die Lautstärke des Cello Anja Lechner.

En la pista de apertura, Anouar, mit Großzügigkeit, das Cello von erlaubt Anja entwickelt sich im Einklang mit dem Klavier von Djangoeinen faszinierenden Start erstellen. Im zweiten Song, der dem Album den Titel verleiht und seinen Namen aus einem Vers von Mahmud. Anouar scheint mit deiner Laute, iniciando la pieza y permitiendo que los demás instrumentos se integren, para seguir manteniendo la prominencia del laúd a lo largo de la pista.

Las composiciones en las que participan los cuatro músicos, que abarcan siete de las once piezas, conservan una línea similar, teniendo el laúd como elemento central, y siendo respaldado por sus tres destacados acompañantes, los cuales cuentan también con sus pequeñas intervenciones personales en el violonchelo, el piano y el contrabajo, dentro de cada pista.

En ciertas canciones, es importante observar que Anouar complementa el sonido del laúd con un tipo de tarareo vocal. En la pista inicial eran dos músicos los que intervenían, como ya dije antes, y lo mismo sucede en otras tres pistas, como en “The Eternal Olive Tree”, wo es einen bereichernden Dialog zwischen der Laute von gibt Anouar Und der Doppelbass Holland. In “In the Shade of Your Eyes”das Cello von Anja stellt das Thema vor, wich der Laute von Wich Anouar.

Por último, el espíritu de Sagte Edward Wadie, Palästinensisch-amerikanischer Aktivist, zusätzlich zu Literaturkritiker, ist in “Edward Said’s Reverie”, eine schöne Melodie, wo das Klavier von Django Bates und das Cello von Anja Lechner Sie übernehmen eine Bedeutung. Alle Kompositionen sind die Arbeit von Anouar Brahem, WHO Er hat versucht, durch seine emotionale Musik das Leiden und die Vertreibung des palästinensischen Volkes auszudrücken.

Cynefin – “Shimli” (Sugerencias de escucha · 2025)

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Cynefin – “Shimli” (2025)

Dentro de las Sugerencias de escucha · 2025, este álbum se distingue por su inmersión sensible en la tradición musical galesa, reinterpretada con una estética ambiental y contemporánea. En Shimli, Cynefin entrelaza raíces folclóricas con una producción sutil que respeta el pasado mientras imagina nuevos paisajes sonoros. Las composiciones evocan tierra, lengua y memoria con una melancolía envolvente, creando una atmósfera poética que conecta lo local con lo universal.

1. Helmi 2. Cornicyll 3. Mae'r nen yn ei GLESNI 4. SHILI GA BWD 5. und MEDELWR 6. CWM Altcafan 7. Pryd und Potsiwr 8. CWRW Bach 9.

Owen Shiers: Llais/Voice, Gîtâr/Gitarre, Glockenspiel, bieten Taro/Percussion an; Alfie Weedon: BAS DWBL/Double Bass; Fred Harper & Charles Van Kirk: DRYMS AC bieten Taro/Trommeln und Percussion; Chris Roberts: Gîtâr/Gitarre; Steve Chadwick: Bieten Sie Pres/Hörner an; Maria Chiara Argìro & Laurence Gier: Klavier; Flora Curzon. James Joseph Flannery. William Clark-Maxwell, Millie Ashton. Jack Gier: Lllinynnau/Strings.

Cerys Hafana: Telyn Deiries / Triple Harp; Ailsa Mair Hughes: Sielo/Cello; Band Gwynt Machynlleth Windband: Rhagarweiniad/intro - mae'r nen yn ei glesni; Trefniannau Llinynnau/String Arrangements: Owen Shiers. Laurence Gier. Tom Gier.

Hinter dem Projekt CyNefin Es ist gefunden Owen Shiers, ein walisischer Musiker aus Cerebion County. Owen explica que “cynefin” es un término galés que originalmente se refería a los caminos y huellas que los animales siguen en las laderas, pero que ha evolucionado para representar un sentido profundo de pertenencia y conexión con el lugar.

Este proyecto nació tras recibir una beca para investigar las canciones folclóricas olvidadas de su tierra natal, con la intención de crear un mapa musical de Ceredigion, comenzando en el valle de Clettwr, donde creció.

Su investigación se materializó en el álbum “Dilyn Afon”, ins Jahr 2020 eingeführt und von seinem Mentor produziert John Hollis, was von Kritikern anerkannt und für nominiert wurde Album des Jahres in Welsh 2020. “Shimli” (2025) es la continuación de este trabajo, explorando las tradiciones de Ceredigion y tomando su nombre de las antiguas vigilias musicales y poéticas que se realizaban en molinos y talleres. A través de la fusión de música folclórica, poesía popular y relatos orales, el álbum investiga la relación entre la música, la poesía, la gastronomía y la naturaleza, mientras Owen Er bemüht sich, seine Sprache und Kultur zu bewahren und so zu seiner Rettung und Beförderung beizutragen.

Owen erklärt, was die Songs bedeuten, somit die Initiale, Helmistellt die Texte eines alten vergessenen Gedichts eines Forsurway von Progwyn vor. Ifan Jones. Im Gedicht, Jones Evans describe la granja familiar rodeada por un ejército resistente de helmi (pasteles de maíz) con uniformes dorados, protegiendo a los habitantes de la hambruna y el frío invernal. Por muy romántica que parezca la representación, el poema es un relato conmovedor y lírico de un pasado no muy lejano.

No solo ha desaparecido helmi del paisaje galés, sino que también lo han hecho los cultivos nativos que una vez alimentaron a la nación. Para un país que ahora depende casi por completo de los alimentos importados, puede haber un mensaje oportuno en sus palabras.

Cornicyll (Was AveFría bedeutet), wird vom Dichter des Dichters und des Bauern inspiriert Dec Jones Und allzu besucht mit Ben Porter in die Reserve von Avefry in Ynys Hir y es un comentario sobre la desaparición del ave tanto del paisaje como de la memoria cultural.

Mae'r nen yn ei Glesni Es ist ein traditionelles Mai -Lied mit einer ziemlich optimistischen Note, präsentiert die Worte des Dichters Jacob Davies cantando las alabanzas de la primavera mientras nos despierta de nuestro sueño invernal.

Shili Ga BWD versa sobre la planta del ajenjo y sus propiedades medicinales, así como la de otras plantas.

Und Medelwr aborda la abundancia de cultivos en el pasado, contrastando con la escasez actual.

CWM Altcafan es una canción que rinde homenaje a un desfiladero que desemboca en un río que solía estar lleno de peces.

Pryd und Potsiwr Es erzählt das Leben des Wilderungsjägers, der von der Jagd abhängig war, um zu überleben. CWRW Bach se centra en la cerveza artesanal que se comercializaba en pequeñas reuniones comunitarias.

Pont Llanio es un lamento por una planta procesadora de leche que tuvo gran importancia en el pasado, pero lleva abandonada desde hace muchos años.

Pysgota, que significa pesca, expresa la tristeza por la disminución de los recursos pesqueros.

Fadre Fach, erwähnen Sie eine kleine Siedlung in der Nähe von Londysul in Cerecion, die im Mittelalter als lokales Verwaltungszentrum fungierte. Mit der Änderung des Namens zu “Happy Donkey Hill” Vor mehr als einem Jahrzehnt ist das Gefühl des historischen und lokalen Kontextes verloren gegangen, da dieser neue Name versucht, Touristen anzulocken.

Im musikalischen Bereich sticht die Dominanz der akustischen Instrumentierung auf. Owens sanfte Stimme, begleitet von seiner Gitarre, ist mit dem Doppelbass und dem gelegentlichen Hauch von Percussion oder Klavier angereichert, wie im letzten Song des Albums zu sehen ist. Fadre Fach, wo Saiten ebenfalls integriert sind, wie in anderen Teilen wie Shili Ga BWD und CWM Altcafansowie im melancholischen Pont Llanio, que incluye el arpa y otros elementos.

En temas como Mae'r nen yn ei Glesni, Die Metalle brechen und geben dem Stück eine Nuance zwischen Jazz und Folk. In CornicyllDie Pfeife und die Flöte erinnern die Klage aufgrund der Abnahme des Vogels. Die melodiöse Stimme von Owen Shiers Es überträgt Frieden und Gelassenheit auf einem Album, das Sie einlädt, über die kulturelle und Identität des Vergessens seiner Heimat nachzudenken und ein heikles Werk zu präsentieren, das es verdient, berücksichtigt zu werden.

Thacker & Jablonska – “Songs of the Roma” (Sugerencias de escucha · 2025)

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Thacker & Jablonska – “Songs of the Roma” (2025)

Dentro de las sugerencias de escucha · 2025, este álbum se destaca por su aproximación respetuosa, íntima y profundamente emocional al repertorio tradicional romaní. En Songs of the Roma, el guitarrista clásico Simon Thacker y la chelista Justyna Jablonska establecen un diálogo de cuerdas lleno de recogimiento, que se enriquece con la participación especial de Masha Natanson en voz y violín. Juntos ofrecen una reinterpretación contemporánea de la memoria oral gitana, desde una estética contemplativa, melancólica y visceral, que celebra la dignidad y la belleza ancestral de esta cultura.

1. Open Ramče 2. Anii Mei şi Tinereţea 3.jolta 4. Niška Banja 5. La Ciolpani 6. Ibrahim 7. Ederlezi 8. Phirado

Simon Thacker (Klassische Gitarre) & Justyna Jablonska (Cello) mit besonderen Gästen: Masha Natanson (Stimme/Geige), Gyula "Julius" Csík (Cimbalom), Gyula Lazár (Kontrabass)

Das Album, das ich als Vorschlag empfehle, “Songs of the Roma” (2025), es un trabajo que presenta fundamentalmente a tres protagonistas: Simon Thacker. Justina Jablonska und Masha Natanson, obwohl ohne die Zusammenarbeit von zu ignorieren Gyula "Julius" Csík y de Gyula Lazár, zwei Musiker, die natürlich unsere Anerkennung verdienen.

Erstens, Simon Thacker, un escocés con formación musical clásica, es compositor, guitarrista clásico y director de orquesta. Su interés por explorar otros géneros y culturas lo llevó a fundar Svara-Kanti, una comunidad indo-occidental que busca crear nuevos mundos sonoros a partir de tradiciones clásicas, folclóricas y espirituales del subcontinente indio.

Desde su inicio como cuarteto en 2011, el grupo ha evolucionado a un colectivo con diversas alineaciones, cada una enfocada en diferentes influencias musicales del subcontinente, como el clásico indostaní, el clásico carnático, el folk punjabi y la tradición mística Baul.

Su álbum doble Trikala, lanzado en 2018, recibió elogios internacionales y ganó un Scottish New Music Award en 2019. Además, Thacker Regie Ritmata, un laboratorio musical donde colabora con destacados improvisadores europeos, creando música que desafía los límites a través de la complejidad y la improvisación.

Su obra “Quadriga in 5”des Albums “Tàradh” Sie wurde 2019 für die prestigeträchtigen Ivor Composer Awards nominiert. Simon hat eine weitere Initiative genannt Karmanain Zusammenarbeit mit dem polnischen Cellisten Justyna Jablonskamit dem Ziel, eine neue Perspektive in der Kameramusik anzubieten und ein Album unter demselben Namen veröffentlicht zu haben.

Unser zweiter Protagonist ist Justyna Jablonska, eine polnische Musik, die in Edinburgh lebt. Er hat im letzten Jahrzehnt eine lebendige Karriere in zeitgenössischer klassischer Musik und Fusion entwickelt. Es ist bekannt für seine Virtuosität und seine Fokussierung auf Interdisziplinarität und experimentelle Interpretation. Jablonska se presenta frecuentemente en eventos de música clásica y del mundo en el Reino Unido y Europa.

En 2022, lanzó su primer álbum intercultural junto a la violinista carnática Jyotsna Srikanth, titulado “Songs for Cello and Carnatic Violin”, y también presentó su primer trabajo multimedia en solitario, “Lost and Found: A Cellist’s Journey”. En octubre de 2023, obtuvo un doctorado en práctica musical creativa en el Real Conservatorio de Escocia, centrado en la colaboración con una violinista del sur de la India, explorando tradiciones carnáticas y la improvisación libre, financiado por una beca del Carnegie Trust.

Justyna Er hat einen Master -Abschluss an der RNCM, wo er bei Peter Dixon bei Peter Dixon studierte, und hat seit 2014 mit herausragenden Musikern an der Lucena Festival Academy gearbeitet, was es ihm ermöglicht hat, weiterhin als Teil des Lucene Festival Alumini zu handeln.

Endlich, Masha NatansonEr ist Sänger und Geiger, der aus einer Familie mit einem starken musikalischen Erbe stammt. Seine Mutter, die Zigeuner und russische Lieder sang, brachte ihm seine Leidenschaft für Musik ein. Trotzdem, Masha optó por seguir su propio camino. A los 15 años, abandonó la escuela de música y su hogar, trasladándose a las montañas para descubrir la música tradicional de los Cárpatos y de las comunidades gitanas.

Al integrarse en grupos folclóricos locales, aprendió muchas melodías en diversos idiomas y dialectos de esta región multicultural. Vivió en varios lugares, tocando música para subsistir. Durante casi un año, también formó parte de la banda gitana Kałe Kałaund 2004 begann er mit Musikkünstlern aus der Welt in Lublin zusammenzuarbeiten, was sie dazu veranlasste, ihre eigene Band zu schaffen. Čači vorba, dos años después.

Masha no solo adapta un amplio repertorio de canciones tradicionales, que van desde romances rusos hasta rebetiko griegos, sino que también compone letras en lengua romaní.

Sus letras abordan temas como el amor, la búsqueda de raíces perdidas, el constante deambular, el ciclo de vida y muerte, y la situación de la mujer en sociedades tradicionales. Su voz poderosa y carismática, junto con sus interpretaciones emotivas, han sido muy valoradas por los aficionados a la música en todo el mundo, reflejando su profunda pasión por la música y su talento como artista excepcional de Europa del Este.

“Songs of the Roma” Es ist ein Album zu schmecken. Im musikalischen Teil müssen wir der Meisterschaft in der klassischen Gitarre von besonderer Aufmerksamkeit schenken Simon Thacker, wo er es geschafft hat, die balkanischen und rumänischen Zigeunergeräusche mit Erinnerungen von zu schmelzen Django Reinhardt, Die Klänge Indiens und die Klassiker ihrer Formation. Justyna Jablonska Im Cello ist es auch beeindruckend, genau wie Masha Natanson en el violín.

Por su parte, Gyula "Julius" CsíkEr ist Lehrer im ungarischen Becken und gibt den Liedern einer besonderen Atmosphäre. Wir dürfen den Beitrag von nicht vergessen Gyula Lazár en el doble bajo.

Dos de las canciones son instrumentales, “Jolta”im Trio mit der Virtuosität von Simon In der Gitarre, Justyna im Cello und Gyula Csík Im Becken. Das andere instrumentelle Thema ist “Phirado”Hier in der Quartettbildung mit der Sucht des Doppelbass Gyula Lazár. Die verbleibenden sechs Songs mit der musikalischen Basis dieser talentierten Musiker haben die beeindruckende Stimme von Masha, quien transmite con gran sensibilidad la esencia de las canciones romanís.

Este álbum representa no solo una exhibición de destreza tanto instrumental como vocal, sino que también rinde homenaje a la abundante herencia cultural de la música gitana, integrando influencias de diversas tradiciones musicales.

Mulatu Astatke & Hoodna Orchestra – “Tension” (Sugerencias de escucha · 2025)

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Mulatu Astatke & Hoodna Orchestra – “Tension” (2025)

El disco se incorpora a las sugerencias de escucha · 2025 por su vibrante fusión de etio-jazz con grooves contemporáneos de inspiración funk y afrobeat. En Tension, Mulatu Astatke, pionero del jazz etíope, une fuerzas con la Hoodna Orchestra para construir un paisaje sonoro dinámico, hipnótico y lleno de textura rítmica. La percusión es el latido constante, los vientos se entrelazan con maestría, y cada tema respira una energía ritual y urbana que conecta lo ancestral con lo moderno. Un encuentro poderoso entre tradición y experimentación que expande los límites del jazz africano.

1. Spannung 2. Major 3. Hatula 4. Yashan 5. Delilah 6. Dung Gate

Mulatu Astatke - Vibraphon, Klavier, Percussion; Ilan Smilan - Gitarre; Eitan Drabkin - Organ; Nov Orcha - niedrig; Eylon Tushiner - Tenorsaxophon, Flöte; Elad Gellert - Baritonaxophon; Aschkenazi Bar - Trompet, Fliscor; Töte Assayag - Batterie; Raz Eytan - Percussion; Shahar Ber - Percussion; Ran Birnbaum - Percussion; Neal Sugarman - Tenor Saxo in #5 High Saxo in #5; Udi Raz - Posaune bei # 3

Das erste vorgeschlagene Album für 2025 ist “Tension”, startete im Vorjahr, präsentierte aber am Ende desselben Jahres. Diese Arbeit stellt eine Fusion von Genres dar, die Jazz, Soul, Funk und Rock umfasst, die mit äthiopischen, lateinischen und psychedelischen Einflüssen bereichert sind. Führung ist für den hervorragenden äthiopischen Musiker verantwortlich MULT ASTATKE, der mit dem anerkannten Training zusammenarbeitet Hoodna Orchestra.

Mulatu Astatke Er ist ein hervorragender 81 -jähriger ättiger äthiopischer Musiker, der ursprünglich stammt Jimma. Äthiopien. In den 1950er Jahren lebte und studierte er in London und später in Boston und New York. Sein anfängliches Interesse an Jazz und lateinischer Musik entwickelte sich zu Funk und Seele, was es ihm erlaubte “Ethio-jazz”.

Aunque su música era apreciada en círculos entendidos y locales, el lanzamiento del álbum recopilatorio ‘”Éthiopiques” Im Jahr 1998 und seine Aufnahme in den Soundtrack von “Broken Flowers”, Film Jim Jarmush von 2005 erweiterten sie ihre Anerkennung erheblich.

Hoodna Orchestra Es ist eine Gruppe, die aus 12 Mitgliedern besteht, die 2012 im Süden von Tel Aviv gegründet wurden. Seine Vereinigung basiert auf der Leidenschaft für Afrobeat, die mit psychedelischen Rock-, Funk-, Soul- und Jazzelementen verschmolzen ist. Obwohl alle Mitglieder ein solides musikalisches Training haben, fällt der Gitarrist auf Ilan Smilan und der Organist Eitan Drabkin von Sabbaba 5, der Schlagzeuger Töte Assayag des Trios Shalosh, der Percussionist Rani Birenbaum von Die treuen Brüder und die Zusammenarbeit des anerkannten Saxophonisten und des Multi -Senszens, Neal Sugarman, quien además ejerce de productor.

La orquesta Llevaba un tiempo fascinada por los sonidos etíopes de Mulatu Astatkeund nach der Zusammenarbeit mehr als zufriedenstellend mit dem äthiopischen Sänger Tesfaye NegatuSie beschlossen, Mulatu einzuladen, an der Aufnahme eines Albums und der entsprechenden Präsentationen live teilzunehmen.

Das Album “Tension”Obwohl es 2023 aufgenommen wurde, wurde es Ende 2024 veröffentlicht. Die Arbeit beginnt mit dem Song, der ihm den Namen gibt. “Tension”, wo das charakteristische Vibraphon von Mulatu Astatke legt die Umgebung fest, gefolgt von der Batterie von Töte Assayag, der Bass von Nov Orcha Und das Schlagzeug von Ran Birnbaum, was zum Metallabschnitt führt und das Vibraphon von erneut hervorhebt Mulatu und das Saxophon von Eylon Tushiner.

La pieza “Major” unterstreicht das großartige Management des Organs von Eitan Drabkin, begleitet von Metallen, Percussions und der Gitarre von Ilan Smilan, während “Hatula” bietet eine ruhigere und mehr Nachtatmosphäre mit Mulatu tocando suavemente el piano, respaldado por la sección rítmica y los metales.

“Yashan”, der längste Track des Albums, setzt die Atmosphäre des vorherigen fort, mit Mulatu Rückkehr zu Vibraphon und berührender subtiler, akzentuierter durch den Bass von Nov Orcha, Batterie und Percussions, bei denen Metalle erscheinen und verschwinden, und gipfelt nur in einer hervorragenden Vibraphie Mulatu und eine Demonstration der Beherrschung durch Elad Gellert en el saxofón barítono.

“Delilah”Mit seiner Verschmelzung von lateinamerikanischen Jazz und afrikanischen Nuancen fällt es für den faszinierenden Klang der Flöte von heraus Eylon Tushiner. MULT Es zeigt erneut seine Beherrschung im Vibraphon, während Ilan Smilan Es hat eine einzige Meistergitarre, die afrikanische Elemente mit Hauch von Psychedelia kombiniert. Das Thema “Dung Gate” Das Album endet mit einer faszinierenden Dominanz von Percussions und Metallen. Mulatu Ergänzen Sie das Stück mit den genauen Nuancen des Vibraphons.

Die Assoziation zwischen Mulatu und Hoodna Orchestra Es hat sich als extrem fruchtbar herausgestellt und führt zu einer Verschmelzung schillernder Elemente. Dieser künstlerische Austausch unterstreicht nicht nur die Beherrschung von Mulatuzeigt aber auch das kollektive Talent von Hoodna Orchestra. Die Synergie zwischen ihnen hat zu einer Arbeit geführt, die Grenzen überschreitet und die kulturelle Vielfalt feiert.

Diego Amador & Cofiner – “Suite flamenca” (Sugerencias de escucha · 2025)

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Diego Amador & Cofiner – “Suite flamenca” (2025)

Dentro de las sugerencias de escucha · 2025, este álbum se distingue por su audaz reimaginación del flamenco desde una visión compositiva contemporánea. Suite flamenca, resultado de la colaboración entre el virtuosismo de Diego Amador y la escritura musical de Cofiner, despliega un viaje sonoro donde lo jondo se entrelaza con el jazz, el pulso urbano y una arquitectura instrumental moderna. En esta obra, el duende no solo se invoca, sino que se esculpe en formas que amplifican su fuerza expresiva.

Diego Amador y Enrique Cofiner “Suite flamenca” © Enrique Cofininer Foundation. Boileau Musik (28 de marzo de 2025). Si en el anterior disco recomendado primaba la guitarra clásica, en este nuevo sugerido ocupa protagonismo la guitarra flamenca, pero también el piano. Diego Amador, el hermano, un poco en la sombra, de la familia, debido a la preponderancia de sus hermanos Raimundo y Rafael, se destaca como un músico multiinstrumentista, capaz de tocar el piano y la guitarra flamenca, con la misma soltura, además de otros instrumentos.

El disco presenta composiciones de Enrique Escudé-Cofiner I Graugés. Er wurde 1909 in Barcelona geboren und wurde 1996 gestorben. Er war ein bemerkenswerter spanischer Pianist, Organist und Komponist. Aus einer Familie mit Musikwurzeln war sein Vater ein Gypsy -Gitarrist, der seine Arbeit beeinflusste, wie es in gesehen werden kann “Estampas gitanas”.

A raíz de esta obra, el pianista y compositor Carles Marigóauf Wunsch der Tochter von Cofiner, glauben “Embrujo”, ein Highlight von 2021. Anschließend die Enrique Cofininer Foundation vorgeschlagen zu Diego Amador Die Realisierung eines Albums, das Kompositionen von enthielt Cofiner, was zu Amador Um das Projekt zu entwickeln “Suite flamenca”, Arbeit von Cofiner, aber als Inspiration “Embrujo”von Marigó. In dieser Arbeit, Amador va más lejos al compartir un mismo plano la guitarra flamenca y el piano.

El disco se compone de cinco temas que abarcan diferentes palos flamencos: Bulerías. Tango. Siguiya. Tanguillo. Soleá und Fandango. Sein Engagement für das Projekt war akribisch und das Ergebnis ist außergewöhnlich. Diego Amador Es kümmert sich um alle Instrumente, mit Ausnahme von Percussion, das von Ihrem Kind interpretiert und sehr gut interpretiert wird. Diego Amador Junior.

Además de destacar como pianista y guitarrista flamenco, Amador Es zeigt sich als herausragender Multi -Strukturistin. Der erste Titel des Albums präsentiert Diego Amador Erklären Sie den Projektansatz, während die verbleibenden fünf Tracks das Album selbst bilden.

Krzysztof Meisinger – “The Spanish Album” (Sugerencias de escucha · 2025)

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Krzysztof Meisinger – “The Spanish Album” (2025)

Merece sumarse a las sugerencias de escucha · 2025 por su tributo refinado y apasionado a la música española, interpretado desde la perspectiva técnica y emocional del guitarrista clásico Krzysztof Misinger. The Spanish Album reúne obras emblemáticas de compositores como Albéniz, Granados y de Falla, entre otros, pero lo hace con una sensibilidad interpretativa que resalta el lirismo, el carácter danzable y la melancolía profunda de cada pieza. Meisinger aporta un sonido nítido, cálido y envolvente que renueva la tradición sin perder su esencia, convirtiendo el disco en un puente entre la elegancia europea y la intensidad ibérica.

Meisinger “The Spanish Album” © Ursache (28 de marzo de 2025). Nacido en 1984, en Glogów, Polonia, Krzysztof Meisinger es uno de los guitarristas clásicos más reputados de la actualidad.

Cuenta en su haber con una docena de trabajos. Su disco Elogio de la Guitarra, de 2021, fue aclamado por la crítica. En él, acometía composiciones del maestro Rodrigo. Miguel Llobet. Mario Castelnovo-tedesco und Astor Piazolla.

Para este su nuevo disco, se centra totalmente en composiciones que tienen que ver con España. Así, tenemos composiciones de Manuel de Falla. Francisco Tárrega. Maurice Ravel. Boccherini. Isaac Albéniz. Vicente Freund y algunas piezas tradicionales.

Krzysztof Misinger: Klassische Gitarre und alle Arrangements. Misinger hat die Zusammenarbeit von Patrycja Betley in Percussion und Meissinger -Solisten: Anna Maria Staskiewicz und Kamil Staniczek: Geige; Marek Czech: Viola; Marcel Markowski: Cello; Michal Sobus: niedriges Doppel; Maria Wilgos: laúd.

He modificado la lista de reproducción y, dado que nos encontramos en Ostern, erstmals das Stück, das sich das Beste verleiht, was kein anderer als “Requiem”eine Komposition von Vicente Freund. Diesmal ist auch sein offizielles Video enthalten.

Will Mason Quartet – “Hemlocks, Peacocks” (Sugerencias de escucha · 2025)

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Will Mason Quartet – “Hemlocks, Peacocks” (2025)

Dentro de las sugerencias de escucha · 2025, este álbum destaca por su audaz travesía sonora entre el jazz contemporáneo y la música de cámara experimental. Hemlocks, Peacocks, obra del Will Mason Quartet, despliega composiciones angulares y atmosféricas que tensionan la armonía convencional, nutriéndose de silencios inquietantes, texturas densas y estallidos rítmicos. El diálogo entre piano, saxo, percusión y contrabajo configura paisajes sonoros introspectivos que rozan lo cinematográfico. Una exploración estética profunda que amplía las posibilidades expresivas del cuarteto moderno con un enfoque valiente y refinado.

Will Mason Quartet “Hemlocks, Peacocks” © Neue Fokusaufnahmen (10. Januar 2025). Außergewöhnliches Album, das das Schlagzeug gemacht hat Will Mason Zusammen mit seinen drei Luxusbegleitern, darunter der prächtige Saxophonist Tenor, Anna Webber, mit einem aktuellen Album in derselben Linie, was sich auch lohnt: “simpletrio2000” .

El disco que nos ocupa está grabado en una capilla de Nueva Inglaterra, para aprovechar la resonancia brindada por su interior. La música se inspira en la composición de Jung montieren. “The Well Tuned Piano”in “Hemlock”, 1956 Gemälde, vom Maler Joan Mitchell Und im Gedicht “Domination of Black”des Dichters Wallace Stevens.

El cuarteto explora la música de jazz de cámara microtonal, es decir, si una octava se divide en 12 semitonos iguales, en la música microtonal pueden ser 15, 17, 19, 22, 31, 41 y 53 notas por octava. Anna Webber: Saxophon Tenor; Daniel Fisher-Lochhead: Hohes Saxophon; Devon Russell Gray: Tastaturen; Will Mason: drums.

Podéis visitar los siguientes enlaces de las obras inspiradoras, picando en ellos: Jung montieren “The Well Tuned Piano” / “Hemlock” Joan Mitchell (Malen Whitney Museum of American Art)/ “Domination of Black” Wallace Stevens Gedicht. Sie sind in The Link, dem ursprünglichen Gedicht und der spanischen Übersetzung enthalten.

Edwyn Collins – “Nation Shall Speak Unto Nation” (Sugerencias de escucha · 2025)

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Edwyn Collins – “Nation Shall Speak Unto Nation” (2025)

Dentro de las sugerencias de escucha · 2025, este álbum se distingue por su elegancia combativa y su capacidad de revivir el pop británico desde una perspectiva irónica y crítica. En Nation Shall Speak Unto Nation, Edwyn Collins articula guitarras angulosas, melodías contagiosas y letras afiladas que cuestionan política, cultura e historia con una mirada esperanzada. Su sello inconfundible se mantiene intacto, en una producción sobria que conecta pasado y presente con ingenio y sensibilidad.

Edwyn Collins “Nation Shall Speak Unto Nation” © AED -Aufzeichnungen (14. März 2025). Der schottische Sänger Edwyn Collins, wieder aufnehmen nach sechs Jahren aus Ihrem vorherigen Album, Badbea.

Su carrera a partir de febrero de 2005, parecía estar truncada, después de haber sufrido dos hemorragias cerebrales. Perdió prácticamente el habla y tenía limitados enormemente los movimientos. Gracias a su perseverancia y al apoyo incondicional de su esposa, Grace Maxwell. Edwyn logró volver a hablar y andar.

En 2010 grabó un disco, corroborado con otros dos más, hasta llegar a este Nation wird über die Nation sprechen. Das Album präsentiert seinen unverwechselbaren Klang, das Elemente von Country, Rock, Soul und Ryhtm und Blues oder Folk zusammenfasst, in einem introspektiven Song. Sie können mit Ihrem Kind nicht besser begleitet sein Wille Am Bass der Gitarrist von Die Pretenders. James Walbourne und der Sänger und Multi -Instrumentalist Carwyn Ellis, Verantwortlich für die Walesa -Band Colorama.

A pesar de la variedad de estilos en las composiciones, como ya comenté anteriormente, la esencia melódica se mantiene en su distintivo pop rock, y aunque hay momentos de reflexión sobre su pasado, las letras en su conjunto transmiten un renovado optimismo.

Dana Gavanski – “Again Again” (Sugerencias de escucha · 2025)

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Dana Gavanski – “Again Again” (2025)

Dentro de las sugerencias de escucha · 2025, este EP se destaca por su capacidad para capturar lo íntimo desde una perspectiva vocal que equilibra fragilidad y fuerza. En Again Again, Dana Gavanski se presenta contemplativa y directa, con arreglos sencillos que realzan la profundidad lírica de cada tema. Ecos de dream pop y folk minimalista envuelven una poética del deseo que se transforma con cada escucha — una obra breve que reafirma la sensibilidad única de su autora.

Dana Gavanski “Again Again” © Vollzeit Hoby (7. März 2025). Der kanadische Sänger -Songwriter hat die Öffentlichkeit vor fünf Jahren in ihren Anfängen fasziniert. Obwohl sein zweites Album einen leichten Sturz zeigte, gelang es ihm, sich mit seinem dritten Job zu erholen, “Late Slap” (2024). Dieser Aufstieg wird mit seinem neuen bestätigt EP de cinco canciones, que considero sus mejores composiciones hasta la fecha.

Dana Er ist in die Essenz seiner Musik zurückgekehrt und strahlt neben dem vertikalen Klavier, das er verwendet hat. Die Zusammenarbeit von Syd Kemp Erstellen Sie die perfekte Atmosphäre. Schade, dass die 18 Minuten im Seufzer verabschiedet werden.

Russ Lossing – “Moon Inhabitants” (Sugerencias de escucha · 2025)

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Russ Lossing – “Moon Inhabitants” (2025)

Dentro de las sugerencias de escucha · 2025 destaca este álbum por su enfoque abstracto y poético en el jazz contemporáneo. Moon Inhabitants, liderado por el pianista y compositor Russ Lossing, es una exploración atmosférica donde el espacio, el silencio y la disonancia adquieren protagonismo. Las composiciones fluyen con una lógica interna inquietante, mientras piano, contrabajo, batería y texturas electrónicas construyen un universo sonoro suspendido entre lo etéreo y lo terrenal. Una propuesta introspectiva, elegante y exigente que amplía las fronteras del género.

Russ Lossing “Moon Inhabitants” © Sunnyside Records (21. Februar 2025). Der amerikanische Pianist Russ Verlust Lieferung in “Moon Inhabitants” Ein zartes und expansives zeitgenössisches Jazzwerk. Neben dem Bassisten Kamaguchi -Messe und der Schlagzeuger Billy Mintz, explora un lenguaje sonoro de gran sutileza, donde cada silencio cuenta y las melodías flotan con una lógica interior propia.

El disco destaca por su sentido del espacio, por una interacción libre pero profundamente atenta entre los tres músicos, y por una atmósfera que oscila entre la contemplación lunar y la tensión subterránea. Una escucha ideal para quienes disfrutan del jazz como experiencia íntima, casi meditativa. Russ Verlust - Klavier; Kamaguchi -Messe - Bass; Billy Mintz - Schlagzeug.