Mark Nightingale en el instante en que el sexteto reinterpreta la tradición.
Mark Nightingale lidera un sexteto que, sin pretender reinventar el género, vuelve a iluminar lo que creíamos familiar. Jazz Classics …with a Twist se sitúa en una categoría poco común: la de los proyectos que abordan el repertorio clásico con una combinación de respeto, claridad y una alegría contagiosa. No hay artificios ni intenciones de sorprender; lo que se presenta es un grupo de músicos que se conocen, se escuchan y comprenden el jazz como un diálogo entre generaciones.
El punto de partida es sencillo: tomar algunos de los temas más queridos del canon —Joy Spring, Ornithology, Desafinado, Round Midnight— y mirarlos desde dentro, sin desmontarlos, sin forzar su arquitectura. Pero lo que convierte este disco en algo más que un ejercicio de estilo es la manera en que Mark Nightingale articula esa mirada: arreglos precisos, luminosos, que respetan la melodía y, al mismo tiempo, abren pequeños espacios donde cada músico puede respirar con libertad.
El resultado es un álbum que suena a tradición viva, no a museo. Un disco que recuerda que el jazz no necesita grandes gestos para ser profundo: basta con un buen arreglo, un grupo que confía en sí mismo y un repertorio que sigue diciendo cosas cuando se toca con honestidad. Aquí no hay nostalgia; hay, más bien, una forma de gratitud: la de reencontrarse con canciones que creíamos agotadas y descubrir que aún guardan un brillo inesperado.
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No se trata de construir una lista definitiva, sino de compartir hallazgos musicales que merecen ser escuchados. Los estilos conviven, se cruzan y a veces se contradicen —como lo hace la música cuando está viva.
La playlist de 2026 irá creciendo disco a disco. Puedes escucharla aquí:
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Aquí puedes escuchar el álbum completo sin salir de la página mientras avanzas por la reseña que lo acompaña.
CRÉDITOS
Mark Nightingale (trombón, arreglos), Alan Barnes (saxo alto, clarinete), James Davison (trompeta, fliscorno), Graham Harvey (piano), Jeremy Brown (contrabajo), Ian Thomas (batería). Sello: Woodville Records Lanzamiento: 27 de febrero de 2026
BIOGRAFÍA
Mark Nightingale (Evesham, 1967) es el motor creativo del proyecto: trombonista de técnica deslumbrante, arreglista meticuloso y una de las voces más influyentes del jazz británico de las últimas décadas. Formado en la Midland Youth Jazz Orchestra, la NYJO y el Trinity College of Music, ha trabajado con John Dankworth, Stan Tracey, Ray Brown, Clark Terry o Steely Dan, y ha sido premiado repetidamente como mejor trombonista en los British Jazz Awards.
Su escritura —clara, elegante, sin artificio— es la que vertebra Jazz Classics …with a Twist: un modo de mirar los estándares desde dentro, respetando su arquitectura pero iluminándolos con una frescura que nunca fuerza el material. Nightingale no rehace: reinterpreta con una claridad que transforma sin desfigurar.
A su lado, Alan Barnes (Altrincham, 1959) aporta esa mezcla de calidez, humor y precisión que lo ha convertido en una figura esencial del jazz británico desde los años ochenta. Formado en Leeds, miembro del Humphrey Lyttelton Band y colaborador de Stan Tracey, David Newton o Warren Vaché, Barnes es aquí el contrapunto perfecto: un sonido que respira tradición sin rigidez.
Si Barnes representa la tradición luminosa, James Davison introduce la perspectiva opuesta: la del músico joven que llega a un repertorio que ha escuchado desde niño. Ganador del Young Jazz Musician of the Year (2018) y ex‑solista de la NYJO, Davison combina técnica impecable y frescura, y él mismo lo resume con una sinceridad desarmante:
“Me siento muy afortunado de tocar con esta banda, especialmente porque de pequeño los escuché en varios álbumes diferentes.”
Esa mezcla de vértigo y gratitud se percibe en cada frase, y convierte su presencia en el sexteto en un puente natural entre tradición y renovación.
El trío rítmico —Graham Harvey al piano, Jeremy Brown al contrabajo e Ian Thomas a la batería— es una lección de equilibrio. Harvey, pianista de Stacey Kent y ex‑director musical de Incognito, aporta claridad y ligereza; Brown, uno de los contrabajistas más respetados del país, sostiene el conjunto con un sonido cálido y flexible; y Thomas, baterista de referencia en el pop, el rock y el jazz británico, ofrece un pulso firme, lleno de matices, capaz de hacer hervir o flotar la música según lo pida el arreglo.
El resultado es un disco donde cada músico aporta una historia distinta —la tradición luminosa de Barnes, la frescura de Davison, la elegancia de Harvey, la profundidad de Brown, la energía contenida de Thomas— pero todas orbitan alrededor de la misma idea: la claridad y el respeto con que Mark Nightingale entiende el jazz. Jazz Classics …with a Twist no es una relectura al uso: es una reinterpretación clara, medida y abierta, donde cada músico aporta un ángulo distinto sin desfigurar el original.
Tracklist
1. Ornithology (Benny Harris, Charlie Parker) 2. Skylark (Hoagy Carmichael) 3. Desafinado (Antonio Carlos Jobim) 4. Joy Spring (Clifford Brown) 5. Round Midnight (Thelonius Monk) 6. Voyage (Kenny Barron) 7. Satin Doll (Billy Strayhorn, Duke Ellington) 8. Cantaloupe Island (Herbie Hancock) 9. Peace (Horace Silver) 10. Straight No Chaser (Thelonius Monk).
🎧 ESCUCHA CRÍTICA — Jazz Classics …with a Twist
«Ornithology», compuesto por Benny Harris y Charlie Parker, irrumpe con un vértigo inmediato: el sexteto entra compacto, brillante, con los metales lanzados hacia adelante y una sección rítmica que empuja sin descanso. El tema —una melodía nueva escrita sobre la armonía de How High the Moon, como era habitual en el bebop— lleva en su propio nombre un guiño al apodo de Parker, Bird, y aquí aparece con la energía inaugural que definió su primera grabación en 1946.
El primer solo es para Graham Harvey, cuyo piano aparece con una precisión luminosa: líneas claras, articulación limpia, un fraseo que avanza con soltura sin perder nunca el control. Su intervención abre el espacio para el saxo alto de Alan Barnes, que entra con una velocidad casi parkeriana, ágil y fluida, como si el tema le perteneciera desde siempre.
Tras él llega el líder: Mark Nightingale toma el relevo con un solo de trombón que combina autoridad y ligereza, antes de ceder el foco a la trompeta de James Davison, que firma uno de los momentos más brillantes del corte. Su sonido es directo, fresco, y su fraseo tiene esa mezcla de vértigo y gratitud que él mismo confesaba haber sentido al tocar con músicos a los que escuchó de niño.
El turno pasa entonces al contrabajo de Jeremy Brown, que ofrece un solo firme y cálido, sostenido por un pulso que nunca se desdibuja. Tras él, el conjunto regresa con una ráfaga final: los metales se suceden en intervalos breves y vertiginosos, casi como un juego de persecución, hasta cerrar la pieza con la misma energía con la que comenzó.
El resultado es una lectura que no busca reinventar Ornithology; la celebra desde dentro, con una escritura que respira y un sexteto que se mueve como un organismo único.
«Skylark», la melodía que Hoagy Carmichael construyó a partir de un motivo asociado a Bix Beiderbecke —antes incluso de que Johnny Mercer escribiera su célebre letra— aparece aquí en su forma más desnuda: como música pura, sin la carga narrativa del texto, regresando a ese origen instrumental que la hace tan maleable.
El tema comienza con calma: los metales exponen la melodía en solitario, sostenidos apenas por el aire del estudio, hasta que la sección rítmica entra con una contención casi ritual. Es un arranque que evita la dramatización y permite que la línea flote, como si la melodía se desplegara por sí misma.
Mark Nightingale toma primero la voz principal: un trombón susurrante, cálido, que acaricia la melodía sin forzarla. Tras él, el saxo alto de Alan Barnes entra con una contención elegante, más reflexiva que expansiva, seguido por una trompeta de James Davison igualmente suave, casi en penumbra. La pieza avanza como un intercambio de respiraciones: Nightingale vuelve a tomar el mando y se explaya con naturalidad, antes de que Barnes y Davison regresen, esta vez con la trompeta a medio camino de la sordina, como si quisieran estrechar aún más el espacio dinámico.
Durante unos instantes, los metales se reúnen en un pequeño acorde suspendido, un gesto mínimo pero decisivo que abre paso al silencio. Y entonces queda solo el piano de Graham Harvey, acariciado con una delicadeza extrema, sosteniendo prácticamente el último minuto de la pieza hasta llevarla a su cierre.
El resultado es una interpretación de Skylark que evita la dramatización, permitiendo que la pieza respire desde su esencia instrumental. La melodía se despliega, se repliega y se vuelve a abrir, sostenida por un sexteto que comprende que la verdadera emoción reside en la sutileza, no en el énfasis.
«Desafinado», compuesta por Antônio Carlos Jobim y Newton Mendonça en 1958, es una de las piezas fundacionales de la bossa nova. Desde João Gilberto hasta la lectura histórica de Stan Getz y Charlie Byrd, que la llevó a las listas de éxitos y al Grammy, la canción ha funcionado como un puente natural entre Brasil y el jazz, siempre asociada a un tempo más reposado y a un clima de suave melancolía.
En esta versión, el sexteto sorprende con un ritmo avivado, casi jubiloso, que rompe con la tradición más pausada del tema. La entrada de Ian Thomas con platillos y tambor marca un pulso vivo sobre el que Alan Barnes abre los prolegómenos de la melodía, apoyado al unísono por los metales de Mark Nightingale y James Davison. Aquí Davison se luce con un fliscorno cálido y ágil, cuya redondez tímbrica encaja de forma inesperadamente natural en este tempo más rápido. Los tres metales se van relevando con fluidez, manteniendo la energía sin perder claridad, hasta regresar al cierre inicial: el saxo de Barnes sobre el dibujo ligero de los platillos y el tambor.
Una lectura ágil, luminosa y muy bien resuelta, que demuestra que Desafinado puede respirar con otro carácter sin perder su esencia.
«Joy Spring», compuesta por Clifford Brown en 1954 y convertida en su firma personal, es uno de los temas más luminosos del hard bop: una pieza escrita como homenaje íntimo a su esposa Larue, pero que terminó siendo un emblema de energía y claridad en el jazz moderno.
El sexteto mantiene ese espíritu ágil desde el primer compás. La pieza arranca con un ritmo vivo, sostenido con soltura por la sección rítmica, y pronto James Davison demuestra por qué ya no es solo una promesa, sino una voz plenamente consolidada en la trompeta. Su intervención es precisa, articulada y llena de intención, siempre bien arropada por los metales de Mark Nightingale y Alan Barnes, que completan un frente compacto y equilibrado. Entre las intervenciones destaca especialmente el solo de Jeremy Brown al contrabajo, claro y bien construido, que aporta un momento de respiro dentro del flujo rápido del tema.
Una lectura ágil, luminosa y muy bien ensamblada, que respeta el carácter celebratorio de Joy Spring y confirma la solidez del grupo en los pasajes más vivos del disco.
«Round Midnight», compuesta por Thelonious Monk en 1944 y ampliada posteriormente por Cootie Williams y Bernie Hanighen, es quizá la balada más emblemática del jazz moderno. Desde Monk hasta Miles Davis, cuya versión en Newport impulsó su álbum ’Round About Midnight, el tema ha sido un territorio privilegiado para lecturas introspectivas y nocturnas.
En esta versión, el piano de Graham Harvey irrumpe junto a los metales, que se alternan para perfilar la melodía con un fraseo sobrio y bien equilibrado. A lo largo de la pieza —más de siete minutos— los metales se van sucediendo con naturalidad, dejando en distintos momentos espacio para el lucimiento de Harvey, que ofrece una lectura personal del universo armónico de Monk: respetuosa, clara y sin artificios, pero con un toque propio en la articulación y el color.
La estructura se organiza en una secuencia de alternancias: intervenciones de los metales, paso al piano, regreso al conjunto… un vaivén que va construyendo un in crescendo emocional sin perder la serenidad característica del tema. El cierre vuelve a Harvey, que remata la pieza de modo pausado, casi suspendido, devolviendo la música a ese clima nocturno y reflexivo que define ’Round Midnight.
Una interpretación serena, amplia y muy bien dosificada, que sitúa esta balada como uno de los momentos más hondos del disco.
«Voyage», es una de las composiciones más reconocibles de Kenny Barron, compuesta para el disco del mismo nombre de Stan Getz, en el que el propio Barron participaba. Mantiene aquí su carácter enérgico y expansivo, y el sexteto la aborda con un impulso firme desde el primer compás.
El mayor lucimiento corre a cargo del saxo alto de Alan Barnes, que confirma por qué es uno de los pilares expresivos del grupo. Su sonido se erige en el centro de la pieza con un solo vertiginoso, articulado con una claridad y una seguridad que sostienen toda la arquitectura del tema, mientras los metales de Mark Nightingale y James Davison lo apoyan puntualmente con entradas precisas y bien equilibradas.
La sección rítmica desempeña un papel decisivo: el contrabajo y la batería sostienen el pulso con una solidez impecable, e Ian Thomas aporta contrapuntos de gran finura, siempre en diálogo con la línea melódica. El piano de Graham Harvey toma su espacio con un solo elegante, bien construido, que aporta un contraste de color dentro de la energía general del tema. Bajo y batería lo arropan con un fondo estable y flexible, manteniendo la tensión sin perder claridad.
Una lectura vigorosa, bien ensamblada y muy dinámica, que muestra al sexteto en plena forma y convierte Voyage en uno de los momentos más vibrantes del disco.
«Satin Doll» es uno de los estándares más célebres del repertorio de Duke Ellington, compuesto en 1953 junto a Billy Strayhorn y posteriormente dotado de letra por Johnny Mercer. Nacida como pieza instrumental para la orquesta de Ellington, su armonía —con ese característico ii‑V‑I de apertura y sus giros poco convencionales— la convirtió en un terreno fértil para improvisadores de todas las épocas.
Satin Doll adopta aquí un ritmo más pausado, casi arrastrado, que la aleja de la ligereza habitual de las versiones clásicas y le da un aire más insinuante. Desde el primer compás se aprecia el contrabajo marcando la entrada, sostenido por el piano y la batería en un acompañamiento discreto pero firme. Apenas unos segundos después, los metales entran al unísono, dibujando la melodía con una claridad que establece el carácter de la pieza.
Es la pieza más larga del disco, y ese espacio extra permite que los solistas respiren y se luzcan sin prisas. El primer turno es para el trombón de Mark Nightingale, que despliega un fraseo elegante y seguro. Le sigue un solo de contrabajo de Jeremy Brown bien articulado, que mantiene la tensión sin perder la suavidad del tempo. Después llega el piano de Graham Harvey, que aporta un contraste de color y una construcción melódica muy cuidada.
El saxo de Alan Barnes toma el relevo con un solo amplio, expresivo, que se expande sobre el colchón rítmico mientras la batería introduce semisolos y pequeños toques de respuesta, creando un diálogo vivo. Los metales apoyan al fondo con entradas puntuales que sostienen la arquitectura del tema sin saturarla.
El cierre reúne de nuevo a todo el grupo tal como comenzó, con esa mezcla de contención y swing relajado que define esta lectura: una versión más lenta, más espaciosa y muy bien equilibrada, que demuestra cómo un estándar tan conocido puede seguir ofreciendo matices cuando se toca con atención y escucha mutua.
«Cantaloupe Island», compuesta por Herbie Hancock en 1964 para Empyrean Isles, es uno de esos temas que parecen sencillos pero esconden una arquitectura rítmica y armónica muy particular. Su mezcla de blues modal, groove contenido y un aire casi hipnótico la ha convertido en un estándar moderno, reinterpretado desde el jazz acústico hasta el fusion y el reggae‑jazz de la propia versión de Hancock en 1976.
Cantaloupe Island arranca aquí con el sexteto al unísono, a buen ritmo, con los metales perfectamente acompasados y la sección rítmica marcando un pulso firme y acorde al carácter del tema. Desde el inicio se percibe esa energía contenida que sostiene toda la lectura: un groove claro, directo, que permite que la melodía avance con naturalidad.
Los tres metales se reparten los solos en una secuencia muy bien equilibrada. James Davison abre con un solo limpio y articulado; poco después toma el relevo Alan Barnes, y finalmente Mark Nightingale cierra la primera ronda con un fraseo sólido y expresivo. Esta rotación de solos se repite, creando un efecto de diálogo continuo entre los tres, siempre sostenidos por una sección rítmica que no pierde el pulso en ningún momento.
Cuando el ciclo se completa, el piano de Graham Harvey entra con un solo especialmente significativo: claro, melódico, con un sentido del espacio que contrasta con la energía de los metales. Tras él, el sexteto vuelve al unísono, recuperando la melodía principal mientras la sección rítmica —el swing preciso de Ian Thomas, el contrabajo firme y el piano marcando la armonía— sostiene el cierre con una solidez impecable.
Una versión viva, bien ensamblada y con un flujo natural, que demuestra la cohesión del grupo y su capacidad para revitalizar un estándar sin necesidad de artificios.
«Peace», la célebre balada de Horace Silver, es uno de esos temas que parecen suspendidos en el aire: una melodía sencilla, casi desnuda, sostenida por una armonía que avanza con suavidad, sin sobresaltos, siguiendo ese ciclo de ii‑V que Ted Gioia describió como un fluir natural hacia la calma. Es una pieza breve, íntima, escrita —según el propio Silver— casi como una revelación, y que desde 1959 se ha convertido en un refugio para generaciones de músicos.
Peace es, dentro del disco, la composición más original, no por la pieza en sí —una de las baladas más célebres de Horace Silver— sino por el arreglo que Mark Nightingale construye alrededor de ella. La lectura se abre con una sorpresa: el piano de Graham Harvey introduce la Gymnopédie n.º 3 de Erik Satie, sostenido por el platillo suave de Ian Thomas y un contrabajo apenas perceptible, creando un clima suspendido, casi impresionista. Ese motivo de Satie reaparece en pequeños toques a lo largo de la pieza, como un eco que atraviesa la balada sin imponerse.
Una vez establecida la atmósfera, entra Mark Nightingale con un solo de trombón suave, expansivo, que respira con naturalidad sobre la armonía. Le sigue James Davison, también en un registro aterciopelado, prolongando esa sensación de quietud luminosa. El clarinete de Barnes aparece primero en detalles, insinuándose entre frases, hasta que toma el relevo de Davison con un color más íntimo y flexible. Después, el propio Davison vuelve a intervenir brevemente, cerrando el arco melódico antes de que el piano, junto a la sección rítmica, conduzca la pieza hacia un final delicado y perfectamente equilibrado.
Una versión sutil, atmosférica y muy personal, que convierte la balada de Silver en un pequeño paisaje sonoro donde Satie y el jazz dialogan sin fricciones, y donde cada intervención está medida con una sensibilidad extraordinaria.
«Straight, No Chaser», uno de los blues más emblemáticos de Thelonious Monk, cierra el disco con una lectura ágil, directa y llena de energía, fiel al espíritu del blues en B♭ de Monk pero con la personalidad propia del sexteto. Los metales entran al unísono marcando la melodía con precisión, mientras la sección rítmica sostiene el pulso con firmeza, especialmente gracias a los golpes marcados de la batería que dan ese empuje característico desde el primer compás.
El primer solo lo toma Alan Barnes, que se adelanta con un fraseo claro y expresivo. Le sigue James Davison, que mantiene el ritmo con soltura y un sonido bien proyectado. Después entra Mark Nightingale al trombón, con un discurso sólido y articulado que encaja de forma natural en la arquitectura del tema. El piano de Graham Harvey continúa la secuencia con un solo rítmico y bien construido, antes de que el contrabajo se marque otro momento destacado, firme y perfectamente integrado en el flujo del blues.
Tras esta ronda, el sexteto vuelve al unísono, introduciendo alguna variante monkianda que aporta un guiño inteligente sin romper la cohesión del arreglo. A continuación llega el solo de batería, breve pero incisivo, que actúa como puente hacia el regreso del grupo completo. El cierre es vertiginoso, recuperando la energía del inicio y rematando el disco con una sensación de impulso y celebración.
Una clausura viva, compacta y perfectamente ensamblada, que deja al oyente con la sensación de haber asistido a un homenaje inteligente, cálido y lleno de oficio al universo monkiando.
🎼Cierre
Rainbow es un disco que se sostiene en una idea sencilla y luminosa: volver a las canciones que amamos para escucharlas de nuevo, sin prisa, sin artificio, sin la necesidad de reinventarlas a toda costa. A lo largo del álbum, Mark Nightingale y su sexteto construyen un espacio donde los estándares —de Monk a Horace Silver, de Herbie Hancock a los clásicos del repertorio vocal— se abren con naturalidad, como si cada pieza encontrara su propio modo de respirar.
Lo que une estas interpretaciones no es la fidelidad al canon; es la claridad con la que cada músico escucha al resto. Hay swing, sí, y hay oficio, pero sobre todo hay una forma de tocar que privilegia la conversación: los metales que se reparten la melodía sin imponerse, la sección rítmica que sostiene sin empujar, el piano que aparece siempre en el momento justo, el contrabajo que insinúa más de lo que declara.
El disco avanza así, entre versiones ágiles y lecturas más pausadas, entre guiños monkiandos y citas discretas, entre momentos de lucimiento y otros de pura contención. Y cuando llega el final —ese Straight, No Chaser vertiginoso, compacto, lleno de energía— uno tiene la sensación de haber asistido no a un ejercicio de estilo, sino a un encuentro entre músicos que disfrutan tocando juntos. Un disco que evita el deslumbramiento y prefiere acompañar; que no busca clausurar, sino sostener la conversación abierta.
Quizá por eso Jazz Classics …with a Twist deja un eco cálido: la impresión de que la música, cuando se toca así, sigue siendo un lugar donde volver.
