Sugerencias de escucha (Enero-Abril, 2023)

Durante cada semana en el Pie de Página dejo una sugerencia de escucha semanal, acompañada de un reproductor de música con las correspondientes canciones.. Como es un contenido dinámico que renuevo cada siete días, he decidido colocar una Playlist con una canción representativa de cada disco con sus datos, acompañados del correspondiente texto crítico.

Robert Forster: vocals, acoustic guitar; Karin Bäumler: xylophone, vocals; Louis Forster: bass, acoustic and electric guitar; Loretta Forster: electric guitar, vocals; Luke McDonald: bass, vocals, piano; Adele Pickvance: bass, congas; Scott Bromley: drums, organ, nylon-string guitar, vocals; Christine Dunaway: violin; James Harrison: cello; Tony McCall: drums.

Cuando falleció su compañero en The Go-Betweens, Grant McLennan, le dedicó el disco The Evangelist. Irrumpió el Covid y Robert fue componiendo canciones. Desafortunadamente, su compañera Karin Bäumler sufrió una enfermedad grave. El cuerpo del disco estaba prácticamente compuesto, pero Robert añadió en alguna canción, pinceladas de ánimo hacia ella, también participante en la grabación. El disco mantiene el sello de identidad y calidad al que nos tiene acostumbrados.

Nick Wheeldon: composer, Lead Vocals, Rhythm Guitar; Danny Kendrick: Drums, backing vocals; Marius Atherton: Bass, Backing Vocals; Paul Rannaud: Lead Guitar, Backing Vocals; Sèbastien Adam: Piano, Organ, Acoustic Guitar, Electric Guitar Solo on ‘Saint Marie’ and Backing Vocals.

Nick Wheeldon procede de Sheffield, pero lleva afincado en París diez años. Lideró la banda de garage, Os Noctàmbulos, con la que publicó tres discos. Lanzó en solitario en 2021, el excelente, Communication Problems. Para el disco que nos ocupa, se rodeó en su mayor parte de músicos franceses. Pero todo se complicó, apenas ensayaron previamente y tan solo dispusieron de un día para grabar; pero mejor lo cuenta Nick (entrevista completa ⬈): “El primer día de ensayo Marius anuncia que se irá en 2 semanas, durante 3 meses. En ese momento, decidimos grabar el álbum antes de que se fuera. Hay 9 canciones. Trabajamos y arreglamos 3 canciones por ensayos con un ensayo final donde trabajamos las 9 canciones una vez juntos. Paul luego nos ofreció grabar el álbum en su estudio, revisamos las fechas, solo había un día libre antes de que Marius se fuera… ¡De acuerdo! Vamos a grabar todo EN VIVO, en un día. Estaba tan emocionado que temía que no fuera posible”. Y el disco respira ese aire mágico, esa inmediatez y frescura. Por él planea tanto Big Star como el mejor McCartney en solitario, e incluso me recuerdan al outsider, Roky Erickson, y en alguna canción a los estupendos, The Jayhawks. El resultado, un disco llamado a convertirse en un clásico.

Diane Hubka: vocals, rhythm guitar; Rick Mayock: vocals, acoustic, elec. and baritone guitars; Albert Lee: guitar, mandolin, vocals; Chad Watson: bass, mandolin, trombone, guitar, vocals; Lynn Coulter: drums, percussion, vocals, whistle; Joe Caccavo: banjo, bass; Chris Elliott: trumpet. La perrita Nora: el ladrido.

Diane Hubka procede de Maryland. En la universidad conoció a un joven guitarrista de jazz, comenzando a interesarse por él. Más tarde, escucha a Carmen McRae y se enamora del género, por completo. Tanto es así, que hasta 2017 llevaba publicados seis discos como vocalista y ocasionalmente guitarrista. Los resultados de las elecciones de 2017, la disgustaron hasta tal punto que se planteó regresar a las canciones combativas cercanas al folk. Además revivía su fase juvenil, donde cantaba canciones de Joan Baez, Joni Mitchell o Neil Young; influenciada por su madre —cantante de folk—. En este disco, el coproductor, arreglista y multi instrumentista veterano, Chad Watson —músico con The Burrito Brothers, Charlie Rich o Ronnie Milsap—, reclutó al conocidísimo guitarrista y mandolinista, Albert lee; cuya nómina acompañando es extensa —Eric Clapton, Bo Diddley, Jerry Lee Lewis, Emmylou Harris, Joe Cocker…—. Diane ha elegido bien las canciones, conocidas composiciones de Guy Clark, Bob Dylan, Randy Newman, Chuck Berry… e incluso alguna propia, como la bella balada, Home. Diane nos dice sobre la canción: “Obtengo mi espiritualidad a través de la naturaleza, y en ‘Home’ hablo de dejar la ciudad y volver a la naturaleza. Se trata de los valores simples con los que crecí en los años 60 y 70: anti comercialismo, anti materialismo. Me inspiran esos valores y siento que salen en esta música”. En el disco nos encontramos con estilos variados, folk, country, zydeco, blues o algún swing tejano. Además de la sección rítmica, predominan las guitarras cristalinas, la mandolina, el banjo o nos puede sorprender un trombón, una trompeta y el ladrido de la perrita Nora. Un disco que no nos va a descubrir nada nuevo, ni falta que hace; porque lo que nos interesa es disfrutar de las cosas bien hechas, pasando un rato muy agradable escuchando a unos magníficos músicos junto a la versátil y preciosa voz de Diane, que además de jazz canta estupendamente lo que se proponga. En el disco se aprecia cómo disfrutan y nos transmiten su entusiasmo.

Me voy a ir de texarkana
I’m gonna leave Texarkana
Me voy a Luisiana
I’m goin’ down to Louisiana
Voy a probar suerte en Baton Rouge
I’m gonna try my luck in Baton Rouge
Voy a seguir al viejo río rojo hacia abajo
I’m gonna follow ol red river down
Hasta que vea las luces de la ciudad no voy a dormir en Baton Rouge
Till I see the lights of town I ain’t gonna get no sleep in Baton Rouge

Erik Laroi: vocals, acoustic and electric guitar; Kendall Jane Meade: vocals; Mike Levey: acoustic and electric piano, organ, analog synths, trumpet, french horn; Dan Asher: bass; Butch Norton: drums, percussion; Tom Curiano: percussion; Anthony Bracewell: violin, viola; Dan White: flute, saxophone; Dave Bertrand: flute, clarinet; Chris Ott: trombone.

Detrás de Lost Weekend se esconde el espíritu creativo de Eric Laroi. Inteligentemente ha logrado reflejar de manera personal; el pop orquestal de Burt Bacharach —sirva también como homenaje por su reciente fallecimiento—, la bossa nova de Joao Gilberto y el pop de cámara de Belle and Sebastian. Pop sofisticado y elegante.

Jim Snidero: saxo alto; Kurt Rosenwinkel: guitar; Orrin Evans: piano; Peter Washington: bass; Joe Farnsworth: drums.

Jim lanzó en 2021 el excelente directo, Live At The Deer Head Inn. Una acertada decisión fue mantener la sección rítmica que tan buenos resultados le ofreció, para este nuevo disco. Pero además, ha incorporado al guitarrista, Kurt Rosenwinkel; lo que ha brindado nuevas perspectivas en la música de nuestro saxofonista. El resultado, impecable. Fue la primera Sugerencia de la semana y dejo para la lista de música, el estupendo tema inicial que da título al disco.

Band: Tbone Paxton, trombone/vocals; Matt LoRusso, guitar; Kurt Krahnke, string bass (2, 4, 6, 7, 10); Trevor Lamb, string bass (1, 3, 5, 8, 9 11) Sean Perlmutter, drums; RJ Spangler, congas, various percussion instruments;

Members of the Planet D Nonet: Alex Colista, alto & tenor sax #1, 3, 5, 8, 11; Christopher Tabaczynski, tenor sax, clarinet #1, 3, 5, 9; Goode Wyche III, baritone sax #1, 3, 8; James O’Donnell, trumpet, various percussion instruments, background vocals #5, 3, 5, 8, 9, 11; Michael Zaporski, piano #1, 3, 7;

Special Guests: John Douglas, trumpet #3; Mike Harrison, piano, Fender Rhodes and vibraphone, background vocals 5, 8, 11.

John “Tbone” Paxton es un vocalista y trombonista de la escena de Chicago. Es miembro, al igual que RJ Spangler —con el que lidera la Paxton/Spangler Band—, de la Big Band Planet D Nonet, quienes le prestan su apoyo en el disco, segundo en solitario. Desde pequeño, el mundo de la música ha formado parte de él. Su padre era profesor de música y pianista en el London Chop House. Tanto él, como de su madre; tenían una amplia colección de discos de jazz de las orquestas clásicas, Count Basie, Duke Ellington…, pero también escuchaban música de Broadway y opera. También escuchó música rock, por parte de sus dos hermanos mayores, también músicos profesionales. Pero sus inclinaciones siempre se han dirigido hacia el jazz. Según ha afirmado en algunas entrevistas, el swing le atrajo porque lo considera como una música llena de lirismo, honestidad y pureza. Ha escogido para el repertorio, autores queridos y variopintos, Fats Waller, Jelly Roll Morton, Percy Mayfield, John Hendricks, Dr. John… Ello nos brinda una idea de la variedad de estilos que podemos degustar por sus surcos: jazz de New Orleans, swing, bossa nova, calypso, blues, soul-jazz y hasta alguna balada crooner. Un disco formidable que merece nuestra atención. También es de destacar el más reciente disco homenaje a Duke Ellington, de Planet D Nonet: “Blues to Be There: A Salute to Duke Ellington“, de diciembre de 2022; en el que RJ Splanger y nuestro querido Tbone Paxton, aportaron sus talentos.

Adam Tobin: guitar, vocals; Zach Gilliam: bass, vocals; Cody Scott:  organ, piano; Justin Bissett: drums; Guests – Zac Cialek: guitar, lap steel, vocals; Jakob Corbin: percussion, flute; Jeremy Horn: vocals (co-producer).

Amon Tobin y Justin Bissett proceden de Massachusetts y juntos unieron fuerzas para formar el grupo. Ambos crecieron escuchando a Grateful Dead, The Allman Brothers o Lynyrd Skynyrd. Afincados actualmente en Colorado, esas son las principales fuentes de las que mana su música, pero no las únicas, porque también están abiertos a la innovación y cierta experimentación en el género. Así en su canción inicial, la triste y evocadora, “Jenny”, además de los sonidos de la lap steel, podemos encontrar ciertos toques de psicodelia. “Mister Ford”, es una pieza impecable instrumental que se adentra en campos cercanos al jazz. El Hammond B3 comienza la pieza aportando no sólo en esta canción sino en el resto del disco, ese sonido de órgano que en las grabaciones actuales tanto se echa en falta. Se incorpora también una flauta cercana a los sonidos de Jethro Tull, que aportan un toque distintivo. Destacan también los punteos de guitarra con el pedal wah wah. “This Road”, canción que da título al álbum, parece inclinarse hacia el estilo de The Allman Brothers, pero en un momento dado, puede desviarse a un rock and roll clásico, introduciendo característicos toques de piano, además de derivaciones hacia otros géneros. En “Heartwork”, curiosamente, tuvieron que componer música y letra en un día, para completar el disco; bajo pedido del amigo y productor en su estudio casero, Jeremy Horn. Es un medio tiempo sentido, que poco a poco ira “in crescendo”. Está dedicado, como ellos mismos explican, “a los que luchan con la salud mental, un recordatorio de su verdadera capacidad hacia la positividad, el amor propio y el autodesarrollo”. Es una pieza folk donde podemos observar la influencia de las canciones de Jerry Garcia en los Grateful Dead. Cierra el disco la optimista y bulliciosa, “Here I Come Again”, adornada con ciertos toques funky e inclusiones pop y folk. Si os gustan los sonidos sureños de guitarras centelleantes, fondos de órgano hammond y voces acopladas; pero también abriendo nuevos horizontes en el género, no lo dejéis escapar.

Paul McCann: Lead Vocals, Backing Vocals, Acoustic Guitar, Bass, Lead and Rhythm Electric Guitars, Organ; Martin Quinn: Synth, Piano, Keys, Additional Guitar, Bass, Backing Vocals; Andrew Quinn: Drums, Percussion; Kevin Kelleher: Flugel Horn; Sylvie Lewis: Backing Vocals; Astrid Williamson: Backing Vocals; Majella O’Reilly: Backing Vocals; Jason Falkner: Bass; Brendan Scott: Backing Vocals; Tony Smith: Backing Vocals; Roger Joseph Manning Jr: Backing Vocals, Mellotron, Moog Solo, Electric Piano, Synth, Keys; Gary Lucas: Guitar Wizardry; The Avoca String Quartet: Strings; Lily McCann: Backing Vocals; Cassie McCann: Backing Vocals; James Quinn: Clavinet, Electric Rhodes Piano; Alan D’Arcy: Saxophone; Kevin Kelleher: Trumpet; Ken Stringfellow: Organ, Electric Piano, Tambourine, Backing Vocals; Evin O’Meara: Trumpet, Trombone; Kevin Foran: Trumpet; Charlotte Hatherley: Lead and Rhythm Electric Guitars, Backing Vocals, Wurlitzer electronic piano, Synths and Noiz.

La muerte por accidente de su padre, en 2018, marcó para el irlandés, Paul McCann, un punto de inflexión. Todavía influenciado por la muerte de su progenitor, comenzó a componer y a ensayar las sesiones iniciales del disco, en 2019, pero la llegada del Covid supuso otro estancamiento, que aprovechó para seguir componiendo y puliendo los temas para este su segundo disco. Se ha rodeado de una serie de intérpretes de reconocido prestigio: Jason Falkner, Charlotte Hatherley, Majella O’Reilly, Brendan Scott, Gary Lucas o Ken Stringfellow. Todo el proceso del disco supuso un bálsamo curativo para Paul, como él mismo nos explica: “Escribir estas canciones actuó como un tipo de terapia para mí durante un momento muy difícil. Cuando escuchas el álbum, puedes percibir muchas emociones y sentimientos diferentes que se filtran. Es lo más personal y expuesto que mi composición ha creado. Parte de ella no fue exactamente fácil de escribir o grabar, pero ciertamente me ayudó a salir del otro lado con una pizca de cordura restante”. Todas las emociones experimentados estos años, desde la pérdida de su padre, tienen cabida en el disco: el amor, la confusión, la ira, el recuerdo, la pérdida… Elegantes arreglos y magníficas melodías recorren el disco de este artesano del pop más creativo, con Influencias de The Byrds y Teenage Fanclub, pero además ha complementado algunas canciones con sección de vientos y de cuerdas, que aportan toques sofisticados y aromas a Burt Bacharach.

Christina Galisatus: compositions/arrangements, piano; Erin Bentlage: vocals; Michael Blasky: tenor saxophone; Steven Lugerner: bass clarinet; Brandon Bae – guitar; Joshua Crumbly:  bass; Zev Shearn-Nance: drums.

Con un padre dedicado por entero a la música –es trompetista y profesor de música– no es de extrañar que Christina encaminara sus pasos hacia la música. Con tan sólo cinco años comienza a aprender piano. Más tarde, sus estudios se inclinarían al aprendizaje de piano clásico. En un momento dado, en Stanford, prosigue estudios para composición y piano de jazz. Por tanto, aquí nos quedan las claves que podemos escuchar en su álbum de debut. Christina ha compuesto tanto la música, como la letra de las canciones. Ella misma nos explica el tema principal, que tiene mucho que ver con el tratar de encontrar un equilibrio mental entre los altibajos presentes en la vida: “El proceso de terminar los estudios y tratar de encontrar mi equilibrio, no solo como músico sino como persona que navega por las relaciones, las luchas de salud mental y el mundo en general, trajo muchas emociones, especialmente cuando miré hacia atrás en varias experiencias que tuve en el pasado que estaba empezando a procesar. La música que estaba escribiendo en ese momento provenía principalmente de ese tema”. Para cantar sus temas, mientras ella pulsa el piano y el resto del grupo la arropa, se ha servido de la frágil voz de Erin Bentlage. El jazz y la música clásica contemporánea, están presentes, pero también se cuelan delicados trazos de folk en sus canciones.

David Broza, Guitarra y voz

David Broza es un cantautor nacido en Haifa, Israel. Pasó su adolescencia entre España y el Reino Unido. Siempre en su música ha tratado de enviar un mensaje de tolerancia y paz. En 1983, justo hace 40 años, lanzó en hebreo, Haisá Sheití’, האשה שאתי. Era un tributo a la música española que escuchó en España entre los 12 y 18 años. Justo ahora, repite el disco, pero todo en castellano. Nos cuenta un poco David: “Descubrí a Serrat a través de amigos españoles en Madrid cuando tenía 17 años. “La Mujer Que Yo Quiero”, la canción que da título al álbum, “Tío Alberto” y “Que Va Ser De Ti” son todas versiones del épico álbum Mediterráneo de Joan Manuel Serrat. Serrat hizo un álbum basado en los poemas de Antonio Machado, un trabajo increíble, ya que Machado había muerto mientras intentaba huir del ejército fascista durante la guerra civil española. Respeto mucho su composición e interpretación. Paco Ibáñez era un nombre que escuchaba con frecuencia entre mis amigos. Ibáñez fue un trovador y cantor popular exiliado en París, que había grabado y musicalizado muchas obras de Federico García Lorca, Rafael Alberti y otros poetas renegados. Me encantaba su forma de tocar la guitarra y las melodías folclóricas que sonaban como si hubieran sido escritas hace cientos de años. “Mi niña se fue a la mar” tiene la letra de Lorca, asesinado durante la guerra civil en España y se desconoce el paradero de su tumba. En 1986 se grabó un disco con muchos artistas internacionales, incluidos Leonard Cohen, Paco de Lucía y yo mismo, para conmemorar a Lorca y su libro de poesía de Nueva York. “Como tú”, con letra de León Felipe, quien nació en 1884 en Tábara, Zamora, y murió en 1968 en México, donde vivió exiliado. León fue un poeta modernista, parte de la generación del 27. Durante la guerra civil luchó en el Ejército Republicano Español contra la facción nacionalista, por lo que pasó el resto de su vida en el exilio. “La más bella niña” es una melodía de un poema de Luis de Góngora del siglo XVII sobre una joven viuda que acaba de perder a su marido en el frente. Está destinada a vivir sola el resto de su vida mientras llora a su madre por su oscuro destino. En 1983 presenté a Paco Ibáñez en algunos de los grandes shows que hice después del gran éxito del disco. No podía creer lo que veía mientras miles de personas cantaban con nosotros en hebreo. Fue muy poderoso. ¡A sus 88 años, Paco era y sigue siendo el ejecutante renegado con su guitarra! Manzanita fue un héroe para mí y para muchos otros en España con su increíble forma de tocar la guitarra y su voz gruesa y ronca de flamenco, cantando canciones pop melódicas. Manzanita dotó a sus canciones de un destello por la profunda cultura de la tradición gitana y el duende del flamenco. También vino a Israel para ser invitado en el segundo disco de las canciones traducidas, Ha-Ishá She-Ití 2. En el primer disco tenía tres canciones, dos de las cuales escribió, “Por tu ausencia” y “Dentro de tu alma” y una que versionó, “Ramito de violetas” Conocía la versión original de Cecilia, pero cuando escuché la versión de Manzanita, allá por los años setenta, me ayudó a convertir la versión en hebreo en la mía. En 1999, Manzanita fue invitado a mi show del amanecer en Masada. Fue una experiencia increíble con él y sus dos hijos, Rafa y José. Manzanita murió en 2004. Que en paz descanse”. David por la manera de tocar excelentemente la guitarra y de aplicar la voz, emparenta las versiones con un matiz flamenco muy apropiado. Excelente trabajo el de David.

Foto de Portada: Diane Hubka, © Sun Canyon Band